Il tema scelto per questa edizione è  “La Polizia che guarda al futuro”. Un domani caratterizzato da una continua evoluzione tecnologica che porterà nuove sfide per le donne e per gli uomini della Polizia di Stato. Allo stesso tempo, però, rappresenterà anche un’opportunità per le future generazioni che, grazie ai concorsi pubblici, potranno unirsi a questo corpo.

All’evento erano presenti le più alte cariche dello Stato italiano: il Presidente della Repubblica, Sergio Mattarella, il Presidente del Senato, Ignazio La Russa, il Ministro dell’Interno, Matteo Piantedosi, e il Capo della Polizia - Direttore Generale della Pubblica Sicurezza, Prefetto Vittorio Pisani.

La giornata ha avuto inizio alle ore 9 con la deposizione, da parte del Ministro Piantedosi, di una corona d’alloro al Sacrario dei Caduti presso la Scuola Superiore di Polizia. Il cerimoniale è proseguito con la cerimonia istituzionale pubblica alle ore 11 in Piazza del Popolo. In questa occasione il Presidente Mattarella ha conferito la medaglia d’Oro al Merito Civile alla bandiera della Polizia di Stato per “le donne e gli uomini della Polizia di Stato, impiegati nei servizi di scorta e tutela, sul territorio nazionale ed estero”; alla quale sono succedute diverse altre onorificenze e conferimenti. Tra di essi sono presenti: la Medaglia d’Oro al Merito Civile alla memoria del Vice Sovrintendente della Polizia di Stato Aniello Scarpati e la promozione al Merito Straordinario del Vice Sovrintendente della Polizia di Stato Giuseppe Fattore e dell’Ispettore Capo della Polizia di Stato Simone Bagnoli. Infine, nel pomeriggio, si è tenuto il tradizionale cambio della guardia al Quirinale della Guardia d’Onore.

Dalla giornata di oggi, sabato 11 aprile, fino a lunedì 13, sarà possibile partecipare a Piazza del Popolo allo “Spazio della Legalità”. In questa occasione, i giovani potranno osservare da vicino il lavoro svolto dai poliziotti, scoprendo anche curiosità interessanti su come gli agenti sostengano quotidianamente la vita dei cittadini. Sarà inoltre presente uno spazio espositivo in memoria della “Strage di Capaci”, in cui il giudice Giovanni Falcone ha perso la vita.

I social media sono stati, però, il punto di svolta per far decollare la sua carriera. La madre, Sherri Madison, in accordo con il figlio, ha deciso di aprire il profilo @couture.to.the.max per far conoscere il talento del bambino. In breve tempo, i video in cui maneggiava la macchina da cucire con precisione chirurgica, a soli cinque anni, sono diventati virali, attirando l'attenzione sia del pubblico sia dei professionisti del settore. Ora la pagina conta 6,3 milioni di follower.

La sua prima apparizione pubblica sulle passerelle è avvenuta alla Denver Fashion Week nel 2023, dopo essere stato notato dagli organizzatori. Invitato a sfilare come “curiosità”, la qualità tecnica dei suoi capi ha dimostrato fin da subito che quello che si trovavano davanti non era un semplice fenomeno del momento, ma un vero e proprio prodigio. In quell’occasione ha anche ottenuto il suo primo Guinness World Record come "Persona più giovane al mondo ad aver disegnato una sfilata di moda".

La sua visibilità ha dato vita al cosiddetto “Passaparola di Hollywood”. Attori di fama internazionale, ad esempio Sharon Stone, hanno cominciato a commissionargli capi e a parlarne pubblicamente, rendendo impossibile al mondo della moda “adulta” continuare ad ignorarlo. Non era più un bambino con in mano ago e filo; si era trasformato in uno stilista delle celebrità.

La sua consacrazione definitiva è avvenuta però questo marzo, al Palais Garnier durante la Paris Fashion Week. La sua "Fall-Winter 2026-2027 Debut Collection", in un mix di alta sartoria e sostenibilità radicale, ha incantato Parigi e la critica, dimostrando che il futuro della moda risiede nell'economia circolare guidata da un istinto creativo purissimo.

Il suo stile risalta all’occhio del pubblico grazie all’assenza del “Filtro Commerciale” che guida la maggior parte degli stilisti adulti. Lui non deve rispondere alle logiche di mercato, alla stagionalità forzata né ai trend di vendita. Il ragazzo disegna per puro istinto estetico. Le sue forme sono spesso scultoree e audaci perché non è ancora limitato dalle "regole" di quello che è considerato vendibile o convenzionale. Inoltre, in passerella abbandona la musica pop per un ritorno al classico, poiché la considera il linguaggio ideale per tradurre l'eleganza senza tempo e la natura scultorea dei suoi capi.

Il suo talento ha dato vita anche ad una convinzione secondo cui sarebbe la reincarnazione di Guccio Gucci. La voce inizia quando, a quattro anni, Max dichiara di essere lui stesso il defunto stilista, diffondendosi per il suo talento tecnico prodigioso, che sembra ignorare i tempi dell'apprendimento umano.

La presenza della nostra emittente sottolinea un posizionamento strategico: un media capace di offrire un accesso diretto ai grandi eventi del motorsport globale, garantendo contenuti esclusivi e uno sguardo privilegiato sul backstage.

Riflettori accesi sull’Autodromo Enzo e Dino Ferrari

Il weekend dal 17 al 19 aprile segna un momento storico per l’Autodromo di Imola: dopo le recenti modifiche al calendario internazionale, la tappa italiana diventa il round d'apertura del Campionato del Mondo, ospitando anche il Prologo ufficiale.

Con 14 costruttori pronti a darsi battaglia nelle categorie Hypercar e LMGT3, l'attesa è alle stelle per la Ferrari, campione del mondo in carica, chiamata a difendere il titolo davanti ai propri tifosi in uno dei circuiti più iconici del pianeta. Radio Antenna 1 seguirà l’intero evento con una copertura dedicata: aggiornamenti in tempo reale, interviste e il racconto live dell’atmosfera in pista.

Oltre la gara: il Made in Italy e l'experience

La 6 Ore di Imola 2026 non è solo competizione, ma una vera celebrazione dell’eccellenza.

Dalle iniziative nel centro storico di Imola ai momenti di puro intrattenimento — come la presenza di Martin Solveig — la manifestazione fonde sport e lifestyle. Questa sinergia riflette perfettamente l’identità editoriale di Radio Antenna 1: un mix di informazione di qualità e intrattenimento di alto livello.

Dalla pista ai box: un racconto esclusivo

Seguendo il percorso del WEC dalla conferenza di Milano fino al traguardo di Imola, Radio Antenna 1 si conferma il punto di riferimento per chi vuole vivere il motorsport da una prospettiva inedita. Grazie alla nostra produzione editoriale e alla connessione internazionale, porteremo il pubblico dentro l’evento, raccontando le storie, i protagonisti e l’energia che rendono unica l’endurance.

Il Faith World Tour ha rappresentato uno dei momenti più importanti per la carriera di Michael, trasformandolo ufficialmente da "il ragazzo degli Wham!" a icona mondiale. Iniziato a Tokyo e conclusosi a Pensacola (USA), con tre date speciali in Spagna nel 1989, ha visto 109 show realizzati in 16 Paesi, quasi tutti sold-out. Durante queste date, a soli 24 anni, il cantante gestiva tutto dalla scrittura alla produzione e alla direzione dello show. È importante ricordare un dettaglio, però spesso rimosso dai più, ovvero che a dirigere le coreografie c’era una giovanissima Paula Abdul. 

La produzione cinematografica del tour si concentrerà sulle due storiche serate al Palais Omnisports de Paris-Bercy, del 30 e 31 maggio 1988, considerate il suo momento di massimo splendore. La regia del progetto è stata affidata a collaboratori storici di George, Andy Morahan e David Austin. A quasi 40 anni dalla registrazione, i filmati originali hanno dovuto subire un processo di restauro non indifferente, per portarne la qualità ai 4K. Oltre alle riprese dei due concerti, sarà disponibile anche un contenuto extra, intitolato "Finding Faith". Diretto da Mary McCartney, includerà un audio inedito di George Michael, tratto da vecchie interviste, foto mai viste del leggendario Herb Ritts e riprese dietro le quinte del videoclip originale di "Faith".

La pubblicazione del disco live avverrà in contemporanea con l’uscita nelle sale del film. Sarà composto da 18 tracce e conterrà registrazioni live completamente inedite. Queste non andranno a coprire solo l’album Faith, ma anche grandi classici del suo periodo Wham!. Il significato è di portata storica: catturando un George Michael appena ventiquattrenne, regala all’ascoltatore il ricordo e la leggenda di un uomo che è stato il primo artista solista britannico a piazzare quattro singoli al numero uno negli USA con un solo disco.

Attualmente non si hanno date certe per l’uscita nelle sale italiane della produzione e nemmeno per il disco; si sa solo che avverrà nel corso di questo 2026. In attesa di lasciarci avvolgere nuovamente dalla leggendaria voce di George Michael, possiamo ingannare il tempo riscoprendo ogni sfumatura della sua arte grazie alla riedizione speciale dell'opera Faith, rilasciata a febbraio.

Il 2026 dell'Autodromo di Imola si delinea come eccezionalmente rilevante, strategicamente orientato a consolidare il ruolo dell'infrastruttura quale pilastro della Motor Valley e simbolo dell'eccellenza tecnologica del Made in Italy. La programmazione presentata si distingue per una spiccata polifunzionalità, capace di integrare le massime competizioni motoristiche internazionali con eventi dedicati alla sostenibilità, alla formazione e all'inclusione sociale.

Sotto il profilo sportivo, l'impianto conferma la propria vocazione mondiale ospitando per il terzo anno consecutivo il FIA World Endurance Championship (WEC) con la 6 Hours of Imola, alla quale anche noi di Antenna 1 parteciperemo con i nostri inviati e la nostra troupe. Ad essa si affiancano le tappe della European Le Mans Series e i principali campionati nazionali su due e quattro ruote, tra cui l'ACI Racing Weekend e il Campionato Italiano Velocità. Grande enfasi viene posta anche sulla valorizzazione del patrimonio storico attraverso manifestazioni di richiamo, come l'Historic Minardi Day e l'Imola Classic, oltre alla celebrazione dell'identità produttiva del territorio con eventi dedicati a brand d'eccellenza, come la Lamborghini Arena.

Parallelamente all'attività agonistica, l'Autodromo si afferma come hub di innovazione e ricerca attraverso il progetto PitLab, che promuove il trasferimento tecnologico in collaborazione con le università. L'impegno per la sostenibilità e l'apertura alla comunità locale si manifesta in iniziative quali Imola Green, il programma WOW Women Motor — volto a incentivare la partecipazione femminile nel settore — e le 58 giornate di apertura al pubblico per la mobilità dolce. Questa visione strategica, supportata dalle istituzioni regionali e locali, mira a generare un valore economico e sociale costante per l'intero territorio e a farlo attraverso un piano di modernizzazione imminente, volto a rendere l'impianto sempre più competitivo e sicuro di fronte alle sfide future.

Rimanete connessi sui profili ufficiali di Antenna 1 in attesa dei contenuti esclusivi.

Calendario degli eventi motoristici:

• 21/22 marzo: Duathlon Sprint
• 17/19 aprile: World Endurance Championship (WEC)
• 24/26 aprile: ACI Racing Weekend 
• 1° maggio: Senna Day
• 09/10 maggio: Lamborghini Area
• 05/07 giugno: Campionato Italiano Velocità (CIV)
• 13 giugno: Cesare Cremonini Live Concert
• 26/28 giugno: Porsche Cup Suisse
• 03/05 luglio: European Le Mans Series (ELMS)
• 29/30 agosto: Ciclistica Santerno GP Fabbi Imola
• 04/06 settembre: ACI Racing Weekend 
• 12/13 settembre: Imola Mostra Scambio Crame
• 19/20 settembre: Historic Minardi Day
• 26/27 settembre: Imola Green
• 03/04 ottobre: Giro dei Tre Monti
• 8 ottobre: Modena 100 ore
• 16/18 ottobre: Imola Classic
• 31 ottobre: Mosterland Festival

In una telefonata con i giornalisti, il portavoce del Cremlino, Dmitry Peskov, ha dichiarato: 'Tutte le disconnessioni e restrizioni delle comunicazioni sono effettuate nel pieno rispetto della legislazione vigente.'

'Tutto ciò è legato alla necessità di garantire la sicurezza', ha aggiunto.

Peskov ha affermato che l'impatto della misura sulle imprese necessita di un'ulteriore analisi e che verranno proposte soluzioni per i loro problemi.

In una telefonata con i giornalisti lunedì, dopo che il presidente russo, Vladimir Putin, ha parlato con il presidente degli Stati Uniti, Donald Trump, la connessione dell'assistente per la politica estera del Cremlino, Yury Ushakov, è caduta almeno tre volte, hanno riferito i giornalisti di Reuters nella telefonata.

Nelle ultime settimane, il Cremlino ha iniziato a bloccare le app di messaggistica Telegram e WhatsApp, promuovendo il servizio statale MAX, che, secondo i critici, non è sicuro.

(Report di Dmitry Antonov)

Tra i riconoscimenti più prestigiosi della musica c'è l'induzione al Rock & Roll Hall of Fame, istituzione che celebra gli artisti responsabili della modellazione dell'evoluzione del rock e della musica popolare.

Di seguito, mettiamo in evidenza dieci donne fondamentali per la storia del rock e del pop, tutte riconosciute dalla Hall of Fame.

Aretha Franklin – La prima donna della Hall of Fame (1987)

Crédito da imagem: Paul Natkin/Getty Images

Conosciuta in tutto il mondo come la "Regina del Soul", Aretha Franklin ha fatto storia diventando la prima donna ad essere indotta al Rock & Roll Hall of Fame nel 1987.

Cresciuta a Detroit come figlia di un pastore battista, Aretha è cresciuta immersa nella musica gospel prima di passare al soul e all'R&B. Classici come "Respect", "Think" e "(You Make Me Feel Like) A Natural Woman" hanno ridefinito il ruolo delle donne nella musica popolare, combinando potenza vocale, presenza politica e identità culturale.

Tina Turner – Energia e reinvenzione (1991 e 2021)

Crédito da imagem: Getty Images

Poche artiste simboleggiano tanto la forza e la resilienza nel rock quanto Tina Turner.

È stata introdotta nella Hall of Fame due volte:

1991, come parte del duo Ike & Tina Turner

2021, in riconoscimento alla sua carriera solista

Dopo aver rotto una relazione personale e professionale tumultuosa, Turner ha costruito uno dei più grandi ritorni nella storia della musica negli anni '80 con l'album Private Dancer e successi come “What’s Love Got to Do with It”.

Stevie Nicks – La prima donna indotta due volte (1998 e 2019)

Crédito da imagem: Evan Agostini/Invision/AP/REX/Shutterstock

Stevie Nicks è diventata la prima donna ad entrare due volte nella Hall of Fame.

È stata riconosciuta inizialmente nel 1998, come membro dei Fleetwood Mac, e nuovamente nel 2019, per la sua carriera solista.

Con la sua estetica mistica e composizioni memorabili come “Edge of Seventeen” e “Dreams”, Nicks ha contribuito a ridefinire la presenza femminile nel rock degli anni '70 e '80.

Janis Joplin – La voce più viscerale del rock (1995)

Icona della controcultura degli anni '60, Janis Joplin è stata indotta nella Hall of Fame nel 1995.

La sua voce intensa ed emotiva in brani come “Piece of My Heart” e “Me and Bobby McGee” è diventata simbolo del rock psichedelico dell'epoca. Nonostante una carriera breve, interrotta dalla sua morte nel 1970, Joplin ha lasciato un'eredità che continua a influenzare le generazioni.

Joni Mitchell – La poetessa del folk e del rock (1997)

La canadese Joni Mitchell è entrata nella Hall of Fame nel 1997.

Con una carriera caratterizzata da sperimentazione musicale e testi profondamente introspettivi, Mitchell ha creato classici come “Both Sides Now” e “Big Yellow Taxi”. Il suo album Blue (1971) è spesso citato tra i dischi più influenti della storia della musica.

Debbie Harry – Il volto del new wave (2006)

Leader della band Blondie, Debbie Harry è stata indotta nella Hall of Fame nel 2006 insieme al gruppo.

Mescolando punk, pop e new wave, i Blondie hanno contribuito a definire il suono di New York alla fine degli anni '70. Successi come “Heart of Glass” e “Call Me” hanno consolidato Debbie Harry come una delle figure più iconiche della musica.

Joan Jett – Lo spirito ribelle del rock (2015)

Conosciuta come la “Regina del Rock & Roll”, Joan Jett è entrata nella Hall of Fame nel 2015 con la band Joan Jett & the Blackhearts.

Dopo aver iniziato la sua carriera nel gruppo femminile The Runaways, Jett ha costruito un'eredità con classici come “I Love Rock ’n’ Roll”, diventando un simbolo di indipendenza e attitudine nel rock.

Carole King – La compositrice che ha ridefinito il pop (1990 e 2021)

Carole King è entrata due volte nella Hall of Fame.

È stata riconosciuta nel 1990 come compositrice e nuovamente nel 2021 come interprete.

Il suo album Tapestry (1971) è diventato un punto di riferimento nella musica popolare, con brani come “It’s Too Late” e “You’ve Got a Friend”, consolidando il suo ruolo come una delle più grandi compositrici della storia.

Pat Benatar – La voce potente degli anni '80 (2022)

Pat Benatar è stata indotta nella Hall of Fame nel 2022, insieme al suo compagno musicale e chitarrista Neil Giraldo.

Con successi come “Hit Me With Your Best Shot” e “Love Is a Battlefield”, Benatar è diventata una delle voci più riconoscibili del rock degli anni '80.

Kate Bush – Innovazione artistica e lascito culturale (2023)

La britannica Kate Bush è stata finalmente indotta nella Hall of Fame nel 2023.

Conosciuta per la sua creatività e approccio sperimentale, Bush ha conquistato il mondo con brani come “Wuthering Heights” e “Running Up That Hill”, che sono tornati in classifica decenni dopo grazie alla serie Stranger Things.

La presenza femminile nella storia del rock

Nonostante i contributi fondamentali, le donne rappresentano ancora una piccola percentuale degli artisti indotti al Rock & Roll Hall of Fame. Negli ultimi anni, tuttavia, l'istituzione ha ampliato il riconoscimento agli artisti che hanno contribuito a plasmare la storia della musica.

Nel Giorno Internazionale della Donna, ricordare questi percorsi significa anche riconoscere che il rock — così come tutta la musica popolare — è stato profondamente trasformato dalla creatività, dal coraggio e dalla voce di queste artiste.

La dichiarazione è stata fatta in un'intervista alla rivista Rolling Stone, nella quale Johnston ha affermato di entrare ora in quella che ha chiamato "Parte Tre" della sua carriera artistica. Secondo lui, l'obiettivo è quello di ridurre il ritmo delle esibizioni dal vivo e dedicare più tempo alla composizione, alle registrazioni in studio e ai progetti creativi personali.

Più di sei decenni legati alla storia della band

Crediti dell'immagine: Archivio / The Beach Boys

Bruce Johnston è entrato nell'orbita dei Beach Boys nel 1965, sostituendo inizialmente Brian Wilson nei tour mentre il principale compositore della band si concentrava sul lavoro in studio. Nel tempo, Johnston ha consolidato la sua posizione nel gruppo e ha iniziato a far parte definitivamente della formazione.

Nel corso dei decenni, ha partecipato a diverse fasi della storia della band, compresi periodi di enorme successo commerciale e momenti di reinvenzione artistica. Il suo lavoro come cantante e tastierista è diventato parte importante dell'identità sonora del gruppo durante le esibizioni dal vivo.

Anche con una breve pausa negli anni '70, Johnston è rimasto legato alla storia dei Beach Boys per più di sei decenni, diventando uno dei nomi più longevi nella formazione legata ai tour della band.

Piani per il nuovo capitolo della carriera

Spiegando la decisione di lasciare la routine dei tour, Johnston ha indicato di voler concentrare l'energia in attività creative che hanno sempre fatto parte della sua carriera musicale.

Oltre alla composizione e a nuovi progetti in studio, il musicista ha anche menzionato l'interesse nello sviluppare eventi speciali e conferenze sulla sua esperienza nell'industria musicale. In interviste recenti, ha citato l'ispirazione da figure dell'intrattenimento classico, come Cary Grant, e ha rivelato conversazioni con l'attore e musicista John Stamos su possibili formati di esibizioni e contenuti rivolti al pubblico.

Partecipazioni speciali ancora possibili

Pur lasciando i tour regolari, Johnston ha voluto sottolineare che non si tratta di un addio definitivo alla band. Il musicista ha affermato che continuerà ad essere aperto a partecipazioni speciali in esibizioni puntuali.

Tra gli eventi menzionati ci sono possibili apparizioni in spettacoli commemorativi dei Beach Boys previsti al Hollywood Bowl, a Los Angeles, nel corso del 2026.

Una nuova configurazione on the road

Con l'uscita di Johnston dalla formazione regolare dei tour, Mike Love, oggi 84enne, diventa l'unico membro originale ancora attivo nella formazione attuale on the road dei Beach Boys.

 

 

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In una pubblicazione sul profilo ufficiale dei Beach Boys sui social media, Mike Love ha dichiarato:

“Bruce è stato una parte estremamente importante della nostra storia, e ho voluto condividere la dichiarazione che ho dato oggi a Rolling Stone sul suo allontanamento dalla band nei tour.

Bruce Johnston è uno dei più grandi compositori, cantanti e tastieristi del nostro tempo. Abbiamo avuto l'onore di avere la sua presenza e partecipazione per molti, molti anni nei Beach Boys. I cambiamenti sono inevitabili nella vita, e oggi ci troviamo in un momento di transizione — ma non di chiusura.

Bruce ora dirige la sua attenzione su ciò che fa così bene: comporre e registrare. Personalmente, non vedo l'ora di collaborare con lui in studio in un futuro molto prossimo. Ho totale sostegno e fiducia che Bruce continuerà a produrre grande musica.

Sono molto felice di sapere che si unirà ancora alla band in occasioni speciali e quando il suo impegno lo permetterà, inclusi gli spettacoli al Hollywood Bowl che celebreranno il 250º anniversario della nostra grande nazione.

Amo e rispetto Bruce Johnston.”

Crediti dell'immagine: Reproduzione / Wikipedia

Il cambiamento simboleggia un altro capitolo nella lunga storia del gruppo, che sin dagli anni '60 si è affermato come una delle band più influenti della musica pop americana, responsabile di classici che hanno segnato generazioni e contribuito a definire il cosiddetto “California sound”.

Anche con le trasformazioni naturali nel corso dei decenni, il lascito dei Beach Boys rimane profondamente legato alla storia del pop e continua a suscitare interesse tra diverse generazioni di fan in tutto il mondo.

 

 

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Le prime recensioni di Kiss All the Time. Disco, Occasionally. sembrano indicare la presunta decisione del cantante di allontanarsi dal cosiddetto "pop impattante", un marchio presente in momenti precedenti della sua carriera.

A partire da questa percezione, vari analisti cercano di comprendere — o almeno interpretare — le ragioni dietro questo cambiamento estetico. E, naturalmente, anche il portale di Antena 1 analizza questo movimento artistico di una delle più grandi star della musica pop.

Un pop più sofisticato e meno immediato

Crediti dell'immagine: Divulgação

Ciò che emerge chiaramente dal nuovo lavoro è un cambiamento nell'estetica sonora. Questa volta, Harry Styles e il suo team di produzione si avvicinano a riferimenti classici del pop e dell'art-rock. Lungo le 12 tracce rilasciate questo venerdì in Kiss All the Time. Disco, Occasionally., alcune influenze emergono chiaramente. Tra queste ci sono nomi come David Bowie, Roxy Music e Bryan Ferry, artisti che hanno contribuito a definire una corrente più elegante e sofisticata del pop.

Allo stesso tempo, l'album non si limita a rivisitare questi riferimenti. Ci sono anche elementi contemporanei che avvicinano il sound all'attuale universo pop. Il risultato è un interessante equilibrio tra qualcosa di familiare — a tratti persino con echi degli anni Ottanta, già presenti in lavori precedenti del musicista — e un approccio moderno che preserva l'identità artistica del cantante.

Queste influenze si manifestano principalmente nella scelta di groove più morbidi, strati di sintetizzatori e arrangiamenti che privilegiano atmosfera ed eleganza, anziché esplosioni ritmiche immediate. Si tratta proprio della formula che solitamente genera i grandi successi pop, ma che molti artisti, raggiunta una fase di maggiore maturità artistica e di affermazione della propria personalità, iniziano ad evitare di esplorare in modo prevedibile.

Il risultato è un album che invita ad un'ascolto più attento, costruito meno per l'impatto immediato e più per un'esperienza sonora continua. Vi è anche una chiara coerenza tra il repertorio e il concetto stesso dell'album. Il titolo — "Bacia tutto il tempo. Discoteca, occasionalmente." — suggerisce un'ambientazione che richiama la pista da ballo, ma non necessariamente al frenesia del pop di consumo immediato. L'invito sembra essere un altro: celebrare la musica, l'atmosfera e la compagnia di chi realmente conta. 

Una fase di transizione

Un altro punto che merita attenzione è che nessun artista, per quanto talentuoso sia o per quanto ben circondato sia da produttori e tendenze del momento, riesce a sostenere una lunga carriera basandosi solo su formule di successo immediato. Ad un certo punto, la transizione diventa inevitabile.

Questo movimento di solito avviene proprio quando gli artisti raggiungono l'apice della popolarità. Dopo aver consolidato successi globali e ottenuto riconoscimento internazionale, molti musicisti iniziano a cercare nuove direzioni creative. È una scelta quasi naturale in questa fase della carriera: reinventare il proprio linguaggio o, in alcuni casi, allontanarsi gradualmente dall'esposizione costante e ridurre il ritmo della produzione artistica.

Nel caso di Harry Styles, questa transizione sembra essere piuttosto chiara. Il nuovo momento arriva dopo un periodo estremamente di successo, contrassegnato da importanti premi, tour su larga scala e numeri significativi sulle piattaforme digitali.

In questo contesto, il cambiamento di approccio osservato in Kiss All the Time. Disco, Occasionally. può essere interpretato non come un abbandono del pop, ma come un movimento di espansione creativa — un tentativo di ampliare i confini del proprio linguaggio artistico. 

Musica per il palco

 

 

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Un altro elemento importante nella personalità artistica di Harry Styles è il suo forte legame con il palco. Non c'è dubbio che il cantante trovi nelle esibizioni dal vivo una delle dimensioni più significative della sua identità musicale.

Nel tour precedente, Love On Tour, l'artista ha attraversato dozzine di paesi per diversi anni, in uno dei tour più estesi e di maggior successo del pop recente. In praticamente tutte le esibizioni, Styles ha dimostrato un totale coinvolgimento con il pubblico — una caratteristica spesso associata ai grandi nomi della storia della musica.

Questo aspetto aiuta anche a comprendere il rapporto tra il nuovo album Kiss All the Time. Disco, Occasionally. e lo spettacolo Harry Styles – One Night in Manchester, una presentazione speciale che verrà registrata questo venerdì per Netflix e che, nella pratica, segna l'inizio del nuovo tour. La proposta sembra chiara: portare sul palco l'esperienza di ascoltare le nuove canzoni direttamente con l'artista, in un ambiente pensato per avvicinare ancora di più il pubblico al repertorio appena pubblicato.

Con strutture più aperte e arrangiamenti che privilegiano dinamica e atmosfera, molte tracce sembrano concepite per acquisire nuove dimensioni nelle esibizioni dal vivo. La proposta valorizza il momento in presenza — tutto accade lì, davanti al pubblico — in contrasto con un'epoca contrassegnata dall'eccesso di schermi e dall'estetica sempre più modificata dei social media.

In questo senso, l'album non emerge solo come una raccolta di possibili successi individuali, ma come parte di un'esperienza artistica più ampia, in grado di integrare musica, spettacolo e narrazione audiovisiva.

Un capitolo del pop che merita tutta l'attenzione

Rinunciando al cosiddetto "pop impattante", Harry Styles non abbandona la sua identità musicale — e tanto meno l'universo pop. Al contrario, sembra ampliare questo territorio e ripresentarlo all'immaginario dei suoi fan attraverso una strategia intelligente di lancio. Il nuovo album, il nuovo spettacolo e lo speciale per lo streaming suggeriscono un artista interessato ad approfondire il proprio linguaggio sonoro, esplorando sfumature che vanno oltre la logica tradizionale dei singoli.

Se questa scelta sta già dividendo le opinioni tra fan e critici è ancora presto per affermarlo. Non è nemmeno possibile escludere eventuali cambiamenti di rotta nei prossimi mesi, qualcosa di relativamente comune nell'universo della musica pop. Quello che sembra chiaro, tuttavia, è che il cantante sta entrando in una fase in cui la ricerca dell'identità artistica inizia a pesare tanto quanto il successo commerciale.

Nella storia del pop, molte delle trasformazioni più interessanti sono iniziate proprio in questo modo. E questo nuovo capitolo della carriera di Harry Styles merita certamente tutta l'attenzione. 

 

 

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Secondo i report, la produzione coinvolgerebbe circa 200 professionisti in un luogo mantenuto segreto e potrebbe risultare in uno dei video più audaci di tutta la carriera della cosiddetta "regina del pop". L'attività dietro le quinte rafforza l'aspettativa attorno alla nuova fase creativa dell'artista.

Registrazione segreta nel Regno Unito

Secondo la stampa britannica, Madonna avrebbe mobilitato un'ampia squadra tecnica per girare il video musicale, che dovrebbe accompagnare l'uscita del primo singolo del nuovo progetto.

Anche se i dettagli sul concetto visivo rimangono riservati, le pubblicazioni indicano che il lavoro promette di mantenere la tradizione della cantante di video musicali provocatori e visivamente accattivanti, caratteristica presente in diverse fasi della sua carriera.

Un nuovo capitolo dopo Madame X

Il nuovo progetto attira l'attenzione anche per segnare il ritorno di Madonna in studio con materiale inedito dal lancio di Madame X, avvenuto nel 2019.

Negli ultimi anni, l'artista ha concentrato le sue attività in tour e progetti speciali legati al suo catalogo, tra cui il ben riuscito Celebration Tour, che ha celebrato più di quattro decenni di carriera.

Rivisitazione dell'universo di Confessions on a Dance Floor

L'album in fase di sviluppo sarebbe legato all'universo sonoro di Confessions on a Dance Floor, considerato uno dei lavori più celebrati della discografia della cantante.

Lanciato nel 2005, l'album ha portato un approccio fortemente ispirato alla disco music e alla musica elettronica da pista, regalando successi globali come Hung Up e Sorry.

La stampa specializzata ha descritto il nuovo progetto come una sorta di continuazione estetica di quel periodo, spesso menzionato informalmente come "Confessions on a Dance Floor Part 2".

Ritrovo con Stuart Price

Un altro elemento che rafforza questa connessione è il ritrovo della cantante con il produttore Stuart Price, responsabile della sonorità elettronica dell'album originale.

Price è stato una figura chiave nella costruzione del suono continuo e orientato alle piste da ballo che ha contraddistinto Confessions on a Dance Floor, e il suo coinvolgimento nel nuovo progetto suggerisce un ritorno a questo approccio musicale.

Aspettative per il lancio

Al momento, non ci sono conferme ufficiali sul titolo del nuovo singolo, sulla tracklist dell'album o sulla data esatta di uscita. Tuttavia, i media internazionali indicano che il progetto potrebbe arrivare tra giugno e settembre 2026, accompagnato da una campagna visiva che include il video musicale attualmente in produzione.

Se confermato, il nuovo lavoro potrebbe rappresentare uno dei più attesi lanci della musica pop recente, unendo il lascito dance di Madonna a nuovi approcci sonori rivolti al pubblico contemporaneo.

Settimana movimentata a Milano

Oltre alla presunta registrazione segreta del nuovo video musicale, Madonna ha attirato l'attenzione anche della stampa internazionale per una performance speciale tenutasi a Milano durante la settimana dal 2 al 5 marzo 2026.

La performance è avvenuta nell'after-show della maison Dolce & Gabbana, tenuto dopo la sfilata della collezione autunno/inverno 2026/2027, e ha riunito ospiti del mondo della moda, della musica e del cinema.

Una versione inedita di "La Bambola"

Durante la performance, Madonna ha interpretato una versione inedita e sofisticata della canzone La Bambola, classico reso celebre dalla cantante italiana Patty Pravo nel 1968.

L'arrangiamento è stato realizzato dal produttore Stuart Price, storico collaboratore di Madonna, e ha trasformato la canzone in una ballata notturna e intima, suonata al pianoforte e accompagnata da un quartetto d'archi.

Il momento è stato descritto dalla stampa di moda e intrattenimento come una performance elegante e minimalista, in contrasto con il carattere spesso sontuoso dei concerti dell'artista.

Look ispirato all'estetica del brand

Per la performance, Madonna è apparsa con un abbigliamento che rifletteva l'identità estetica di Dolce & Gabbana:
un bustino bianco di cotone, culotte di rete, reggiseno coordinato, scarpe décolleté e un lungo velo di tulle con pizzo.

Il look è stato completato da una croce d'oro e diamanti della collezione Fine Jewelry del brand, rafforzando l'iconografia religiosa spesso associata all'artista.

Collegamento con la campagna "The One"

La partecipazione all'evento dialoga anche con un altro progetto recente che coinvolge la cantante. A gennaio 2026, Madonna è stata protagonista della campagna del profumo "The One" di Dolce & Gabbana, in un film pubblicitario dall'estetica cinematografica in cui interpreta anche "La Bambola".

Il video ha visto la partecipazione dell'attore Alberto Guerra e ha rafforzato il lungo legame dell'artista con gli stilisti Domenico Dolce e Stefano Gabbana.

Giorni prima della performance, Madonna era stata vista in prima fila alla sfilata del brand, indossando un pigiama nero abbinato a guanti blu, presenza che ha rafforzato la sua storica vicinanza con la maison italiana.

Un momento che sottolinea la nuova fase

La performance a Milano, unita ai rapporti sulla registrazione segreta di un nuovo video musicale, indica che il 2026 potrebbe segnare l'inizio di un nuovo ciclo creativo per Madonna, legato al progetto "Confessions on a Dance Floor Part 2", già menzionato dall'artista stessa nei suoi post sui social media.

Abbiamo già mostrato come il decennio abbia rappresentato l'apice dell'industria discografica, contraddistinta da generazioni di artisti brillanti che si contendevano le classifiche mentre condividevano gli stessi palchi in festival monumentali. Abbiamo dimostrato come la tecnologia sia diventata linguaggio, come i generi si siano moltiplicati, come la tradizione si sia reinventata e come la musica sia diventata uno strumento di mobilitazione globale.

Ma c'è un asse ancora più strutturale che sostiene questa persistenza fino ai giorni nostri: la trasformazione della musica dal vivo in un sistema aziendale organizzato.

Negli anni '80, con artisti di stili e generazioni diverse che producevano intensamente e realizzavano tour sempre più grandiosi, il fatturato del settore - sia nel mercato dei dischi che nel segmento dal vivo - ha fatto un salto decisivo. Più che un aumento del fatturato, si è consolidato un modello operativo che avrebbe attraversato i decenni successivi.

In questa ottava parte, il focus è proprio su questo punto.

Eventi come il Live Aid e molti altri non sono stati solo punti di riferimento culturali. Hanno funzionato come catalizzatori di un nuovo modello di business. A partire da loro, lo spettacolo musicale non è più stato solo una performance artistica, ma ha iniziato a operare come un ingranaggio integrato - collegando artisti, sponsor, media, arene e logistica internazionale.

È questo ingranaggio, disegnato negli anni '80, che spiega perché, nel 2026, l'industria globale dei tour e dei festival muove miliardi di dollari all'anno e sostiene i più grandi nomi del pop e del rock contemporaneo.

Per capire come questo sistema sia nato - e perché è ancora pienamente operativo - è necessario tornare all'inizio del decennio.

Il tour che ha cambiato tutto

Crédito da imagem: The Rolling Stones in concerto nel 1981. Foto: Ben Perea / D'Art Gallery

Nel 1981, mentre il pop elettronico guadagnava spazio sulle radio e MTV iniziava a ridefinire l'estetica musicale, i The Rolling Stones inauguravano l'era moderna dei tour sponsorizzati.

Il Tattoo You Tour, creato per promuovere l'album Tattoo You, è diventato il primo grande tour a assumere ufficialmente uno sponsor principale - il marchio Jovan. La sponsorizzazione non era più periferica, ma faceva parte strutturalmente dell'operazione.

Il tour ha raccolto circa 50 milioni di dollari, un numero straordinario per l'epoca, e ha dimostrato che lo spettacolo dal vivo poteva funzionare come un ingranaggio aziendale altamente organizzato. Il palco è diventato parte di una catena che coinvolgeva marchi, promotori, arene, media e campagne coordinate.

Lo spettacolo è stato anche esteso ad altre piattaforme. Il film-concerto Let's Spend the Night Together, diretto da Hal Ashby, ha portato l'esperienza al cinema. L'album dal vivo Still Life (American Concert 1981) ha mantenuto il momento sulle radio. E le videocassette commercializzate hanno ampliato la portata dell'evento, anticipando la logica multimediale che sarebbe diventata uno standard nei decenni successivi.

Lo spettacolo non era più solo una performance artistica. Diventava un'operazione.

US Festival - il prototipo del megaevento moderno

Se i The Rolling Stones hanno mostrato la strada dei grandi tour sponsorizzati, il US Festival ha presentato, all'inizio del decennio, il prototipo del festival moderno su scala industriale.

Realizzato nel 1982 e 1983 al Glen Helen Regional Park, in California, l'evento è stato ideato da Steve Wozniak, cofondatore di Apple. La sua proposta andava oltre la musica: unire cultura pop, tecnologia e grande spettacolo in un unico spazio, riflettendo lo spirito di un decennio che iniziava a integrare intrattenimento e innovazione aziendale.

L'edizione del 1983 è stata particolarmente contraddistinta dalla dimensione degli investimenti e del line-up. Artisti come The Police, U2, Van Halen, David Bowie, Ozzy Osbourne e Mötley Crüe si sono esibiti in giornate organizzate per tematica - new wave, heavy metal e rock/pop.

Ma più della quantità di pubblico, ciò che ha reso il US Festival decisivo è stato il modello operativo. C'è stato un investimento multimilionario, una pianificazione logistica robusta, un'infrastruttura tecnica di grandi dimensioni e un'articolazione con i media nazionali. Il festival funzionava come un evento pensato fin dall'inizio su larga scala, con segmentazione del pubblico e chiara visione aziendale.

Anche se non è stato un successo finanziario per i suoi ideatori, il US Festival ha lasciato una lezione strutturale duratura: il festival poteva essere concepito come un prodotto aziendale di grandi dimensioni, con pianificazione strategica, identità tematica e potenziale di replicazione.

Lì iniziava a delinearsi il modello che sarebbe stato affinato nel corso del decennio e istituzionalizzato negli anni successivi.

Il festival non era più solo un incontro culturale. Diventava un progetto aziendale.

Monsters of Rock e Glastonbury - la consolidazione europea

Il Monsters of Rock è nato il 16 agosto 1980 a Donington Park, in Inghilterra. La prima edizione ha riunito Rainbow, Judas Priest e Scorpions, dimostrando che c'era un pubblico massiccio per un festival dedicato esclusivamente all'hard rock e all'heavy metal.

Il successo ha portato all'istituzionalizzazione dell'evento. Nel corso del decennio, sono passati per Donington nomi come AC/DC, Iron Maiden, Ozzy Osbourne, Def Leppard, Metallica, Bon Jovi e Van Halen.

Diversamente dai festival occasionali delle decadi precedenti, il Monsters of Rock ha consolidato il modello di marchio ricorrente, con pubblico segmentato e struttura di grandi dimensioni. La formula ha dimostrato che generi specifici potevano sostenere eventi annuali su scala internazionale - un passo decisivo nella professionalizzazione del settore.

Il festival non era più solo un incontro culturale. Diventava calendario, prodotto e attivo commerciale.

Glastonbury - dalla controcultura alla struttura professionale

Il Glastonbury Festival, realizzato a Worthy Farm dal 1970, ha vissuto negli anni '80 una transizione decisiva verso la professionalizzazione. Dopo il ritorno dell'evento nel 1981, il festival ha iniziato ad ampliare la sua infrastruttura e organizzazione, incorporando una produzione tecnica più robusta e una maggiore visibilità mediatica.

Nel corso del decennio, il palco ha ospitato artisti come The Cure, Elvis Costello, Van Morrison, The Smiths e Echo & The Bunnymen, riflettendo la diversità del rock britannico di quel periodo. La presenza di nomi consolidati accanto a band emergenti ha contribuito a trasformare il festival in uno spazio multigenerazionale e multiculturale.

Glastonbury ha dimostrato che era possibile crescere senza perdere identità. Quello che prima era considerato un incontro alternativo ha iniziato a operare con una pianificazione strutturata, una capacità ampliata di pubblico e un modello organizzativo più professionale.

Il festival non era più solo un simbolo controculturale, ma funzionava come un marchio duraturo - un passo essenziale nella consolidazione del settore.

Woodstock '89 - il valore della memoria come attivo

Il Woodstock 1989, realizzato il 13 agosto 1989 a Saugerties, New York, non ha avuto la dimensione logistica né l'impatto commerciale del festival originale del 1969. È stato un evento commemorativo per i 20 anni del traguardo storico, riunendo nomi legati alla generazione originale, come Richie Havens, Melanie, Ten Years After e Canned Heat.

Non ha ridefinito il mercato. Non ha inaugurato un modello aziendale.

Ma ha rivelato qualcosa di decisivo per il decennio: il potere del marchio.

Due decenni dopo l'evento originale, il nome "Woodstock" mobilitava ancora pubblico, media e interesse commerciale. Il festival dimostrava che la memoria culturale poteva essere convertita in un attivo simbolico ed economico.

Se il US Festival indicava la scala aziendale e il Monsters of Rock consolidava il modello tematico ricorrente, Woodstock '89 evidenziava che i festival potevano sopravvivere anche come marchio - anche quando il contesto storico era diverso.

Negli anni '80, il mercato iniziava a capire che lo spettacolo dal vivo non era solo un evento. Era patrimonio, identità e capitale simbolico.

E questo fa parte dell'ingranaggio che avrebbe contribuito a strutturare l'industria globale nei decenni successivi.

Cosa ha imparato l'industria dalla regalità del pop

Se i Rolling Stones hanno aperto la strada, sono stati Michael Jackson e Madonna a consolidare il tour globale come infrastruttura.

Il Bad World Tour (1987-1989) ha portato Michael Jackson in dozzine di paesi, con milioni di spettatori e incassi record. La logistica multinazionale, i palchi modulari e il merchandising integrato mostravano che l'artista pop poteva operare come marchio globale.

Madonna, con il Who's That Girl Tour (1987), ha trasformato lo spettacolo in narrazione visiva. Il palco diventava estensione del concetto artistico.

Nel 1985, due eventi distinti hanno ampliato la percezione della scala: il Live Aid e il Rock in Rio. Uno ha connesso miliardi di persone attraverso la televisione; l'altro ha consolidato il modello di festival internazionale al di fuori dell'asse tradizionale anglo-americano.

La lezione era chiara: lo spettacolo poteva essere riprodotto, scalato ed esportato.

Questa logica avrebbe aperto la strada a festival itineranti strutturati, come il Lollapalooza, nato negli anni '90 già con un DNA aziendale.

Dai grandi palchi ai grandi gruppi

A partire dagli anni '90, le promozioni regionali hanno iniziato a consolidarsi. Negli anni 2000, con la caduta del mercato fisico, il live è diventato il principale motore finanziario della musica.

La formazione della Live Nation Entertainment, dopo la fusione con la Ticketmaster, ha segnato la svolta strutturale. Promozione, biglietteria, gestione delle arene e contratti hanno iniziato a operare sotto lo stesso ombrello aziendale.

Altri gruppi, come AEG Presents, CTS Eventim e OCESA, hanno ampliato la concentrazione del settore in diverse regioni.

Nel 2026, l'intrattenimento dal vivo è un'industria altamente professionalizzata, basata su dati, sponsorizzazioni globali e strutture modulari che consentono di replicare uno spettacolo su più continenti con efficienza logistica.

Nulla di tutto ciò è sorto per caso.

Il modello è stato disegnato negli anni '80, quando il palco ha smesso di essere solo uno spazio artistico e ha iniziato a funzionare come un sistema.

Se oggi il mercato dei concerti muove miliardi e sostiene i più grandi artisti del pianeta, è perché l'ingranaggio ha iniziato a essere assemblato in quel decennio.

I grandi palchi degli anni '80 non hanno solo segnato le generazioni.
Hanno definito il futuro del business.

 

 

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Un post condiviso da Ringo Starr (@ringostarrmusic)

Il progetto segna il proseguimento della recente fase creativa dell'artista incentrata sull'universo country e Americana, consolidata dopo il lancio di "Look Up", che ha avvicinato l'ex-Beatle alle radici della musica americana.

Seconda collaborazione con T Bone Burnett

"Long Long Road" rappresenta la seconda collaborazione di Starr con il produttore e compositore T Bone Burnett, una delle figure più influenti della musica americana contemporanea.

Noto per i lavori legati al folk, country e blues, Burnett ha contribuito a plasmare il sound del progetto precedente del musicista e ora torna per approfondire questa direzione estetica.

Le registrazioni sono avvenute tra Nashville e Los Angeles, importanti centri della musica americana, rafforzando il carattere organico e tradizionale dell'album.

Collaborazioni con artisti della nuova generazione

Il disco includerà anche la partecipazione di nomi rilevanti della scena attuale della musica americana, tra cui:

• Sheryl Crow 
• Billy Strings 
• Molly Tuttle 
• Sarah Jarosz 
• St. Vincent

La presenza di questi artisti indica un'avvicinamento tra generazioni, combinando l'esperienza di Starr con musicisti legati al bluegrass, al folk contemporaneo e all'Americana.

Primo singolo già disponibile

L'annuncio dell'album è stato accompagnato dal lancio del primo singolo, "It's Been Too Long", brano che vede la partecipazione di Molly Tuttle e Sarah Jarosz. Il video può essere visto di seguito.

La canzone mette in evidenza armonie vocali tipiche del country moderno ed evidenzia l'atmosfera intima che ha contraddistinto questa nuova fase della carriera dell'artista.

Sui suoi social media, Starr ha nuovamente celebrato la collaborazione con Burnett:

"Sono benedetto ad avere T Bone nella mia vita ora, lavorando su questi dischi."

La fase Americana di Ringo Starr

Pur essendo conosciuto in tutto il mondo come batterista dei The Beatles, Ringo Starr ha sempre mostrato affinità con la musica country.

Negli ultimi anni, questa influenza ha iniziato a occupare un ruolo centrale nei suoi progetti in studio. La collaborazione con Burnett è stata fondamentale in questo processo, avvicinando il musicista a un sound ispirato agli artisti classici del genere.

Il videoclip della canzone "Look Up", brano principale dell'album pubblicato nel 2025, ha registrato un buon coinvolgimento tra i fan, rafforzando la positiva accoglienza di questa fase country della carriera di Ringo Starr.

Se seguirà l'estetica dell'album precedente, "Long Long Road" potrebbe consolidare una fase tardiva della carriera di Starr contraddistinta da un approccio più acustico, narrativo e legato alle tradizioni della musica americana.

Con il lancio previsto per aprile, il nuovo disco promette di ampliare questo percorso musicale e presentare un altro capitolo della carriera solista di uno degli artisti più riconosciuti nella storia della musica popolare.

L'annuncio dell'album è stato accompagnato dal lancio di un visualizer del brano principale, diffuso sulle piattaforme digitali insieme al primo singolo del progetto.

I momenti salienti della carriera solista

Dopo lo scioglimento dei The Beatles nel 1970, Ringo Starr ha avviato una carriera solista caratterizzata da successi che mescolano rock, pop e influenze country, stile che è sempre stato presente nel suo percorso musicale.

Già nei primi anni, il musicista ha conquistato una forte presenza nelle classifiche internazionali. Tra le sue canzoni più conosciute ci sono "It Don't Come Easy" (1971), "Photograph" (1973) e "You're Sixteen" (1973), tutti grandi successi commerciali.

Un altro punto saliente è stato "Back Off Boogaloo", che ha rafforzato la presenza dell'artista nelle classifiche britanniche all'inizio degli anni '70.

Nelle decadi successive, Starr ha mantenuto una carriera attiva con vari album in studio, tour e progetti paralleli, tra cui la creazione dei Ringo Starr & His All-Starr Band, gruppo composto da musicisti ospiti che lo accompagnano in tour dal 1989.

Con "Long Long Road", il batterista amplia un altro capitolo della sua carriera solista, esplorando nuovamente l'universo della musica americana e confermando la sua longevità artistica oltre cinque decenni dopo l'inizio della sua carriera al di fuori dei Beatles.

Ciò che iniziò come una semplice visita in studio si trasformò in una intensa sessione creativa che avrebbe prodotto uno dei più grandi classici della musica pop e rock del XX secolo.

L'incontro inaspettato a Montreux

Crediti dell'immagine: Copertina dell'album Hot Space (1982) dei Queen. Divulgazione

In quel momento, i Queen stavano lavorando all'album Hot Space presso i Mountain Studios a Montreux, in Svizzera.

Coincidenza volle che David Bowie fosse nella stessa zona a registrare "Cat People (Putting Out Fire)", composta con il produttore Giorgio Moroder per il film Cat People (1982) e successivamente ri-registrata per l'album Let’s Dance (1983). In quel periodo, il cantante viveva in Svizzera, dove rimase per alcuni anni per motivi fiscali, una situazione comune tra gli artisti britannici dell'epoca.

L'ingegnere del suono David Richards, che lavorava nello studio, suggerì a Bowie di fare una visita. L'idea iniziale era semplice: sperimentare alcune registrazioni insieme.

La jam session che durò 24 ore

Credito dell'immagine: Kent Gavin/Mirrorpix/Getty Images

Il primo tentativo fu di registrare le voci per la traccia "Cool Cat", ma l'idea fu abbandonata rapidamente. Secondo i racconti successivi dei musicisti, tutti sentirono che semplicemente non funzionava.

Invece, gli artisti si immergessero in una lunga jam session improvvisata, che durò circa 24 ore.

La sessione, secondo il batterista Roger Taylor, fu contrassegnata da un'atmosfera rilassata e piuttosto caotica.

“Stavamo bevendo e suonando ogni tipo di musica classica... qualsiasi cosa ci venisse in mente”, ricordò il musicista in un'intervista alla rivista Record Collector.

È stato in questo ambiente spontaneo — tra vino, improvvisazioni e sperimentazioni musicali — che ha iniziato a prendere forma "Under Pressure", brano che sarebbe diventato il secondo numero 1 dei Queen nel Regno Unito, dopo "Bohemian Rhapsody", e il terzo di Bowie nelle classifiche britanniche.

Il riff che ha cambiato tutto

La base della canzone nacque da un riff di basso creato da John Deacon.

La linea di basso — oggi una delle più riconoscibili nella storia della musica pop — servì come punto di partenza per la costruzione del resto della canzone.

Inizialmente, la traccia aveva il titolo provvisorio di "People on Streets".

Con lo sviluppo del testo e della melodia, la canzone fu rinominata "Under Pressure".

La tecnica insolita di Bowie

Durante la registrazione delle voci, Bowie propose un approccio poco convenzionale.

Lui e Freddie Mercury registrarono diverse linee vocali senza ascoltare le parti l'una dell'altra, improvvisando frasi e melodie separatamente.

In seguito, i migliori passaggi furono combinati nell'edizione finale.

Questo metodo — comune nelle sperimentazioni artistiche di Bowie — contribuì a creare il dialogo vocale drammatico che sarebbe diventato uno dei marchi distintivi della canzone.

Cover dei Cream e registrazioni inedite

La jam session produsse anche altre registrazioni curiose che non furono mai ufficialmente pubblicate.

Secondo Brian May e Roger Taylor, i musicisti registrarono versioni improvvisate di brani della band britannica Cream, una delle grandi influenze del rock degli anni '60.

Tra i brani sperimentati c'erano "NSU" e "I Feel Free", registrati inizialmente solo come esercizio creativo.

“Abbiamo preso la decisione insolita di fare delle cover dei classici dei Cream”, raccontò Taylor. “Abbiamo registrato queste canzoni solo per divertimento e poi qualcuno ha detto: ‘Componiamo una canzone noi stessi’”.

La connessione con i Cream, del resto, era già presente. Nella band Smile, formazione precedente ai Queen prima dell'ingresso di Freddie Mercury, May e Taylor avevano già suonato "I Feel Free". Anni dopo, lo stesso Bowie avrebbe registrato una versione del brano.

La tensione nel mixaggio

Nonostante l'atmosfera creativa della sessione iniziale, la fase finale della produzione fu segnata da conflitti.

Nell'agosto del 1981, ai Power Station Studios di New York, Bowie e Mercury trascorsero circa 18 ore discutendo sul mixaggio finale della canzone.

Ad un certo punto, Bowie minacciò di bloccare il rilascio del brano se non fosse stato soddisfatto dal risultato.

Freddie Mercury finì per agire da mediatore, aiutando a raggiungere una versione di compromesso.

Un classico senza promozione tradizionale

Curiosamente, nonostante il grande successo, "Under Pressure" non ricevette una campagna promozionale tradizionale.

Il singolo fu pubblicato senza fotografie sulla copertina, cosa insolita per artisti di quel calibro all'epoca.

Il videoclip, diretto da David Mallett, utilizzava principalmente immagini di archivio, anziché mostrare i musicisti eseguire la canzone.

Una collaborazione mai salita sul palco

Un altro dettaglio curioso è che Freddie Mercury e David Bowie non hanno mai eseguito "Under Pressure" insieme dal vivo.

Bowie avrebbe cantato la canzone solo nel 1992, durante il Freddie Mercury Tribute Concert, a Wembley. Di seguito un'anteprima delle prove per questa storica esibizione.

In quell'occasione, la canzone fu eseguita in un duetto tra Annie Lennox e i membri rimanenti dei Queen.

Cosa è rimasto dalle sessioni

Delle registrazioni fatte in quell'incontro a Montreux, poche sono arrivate al pubblico.

Una di esse è stata "I Go Crazy", pubblicata come lato B del singolo "Radio Ga Ga" nel 1984. Bowie, tuttavia, non partecipò a quella registrazione specifica.

Anche oggi i fan si chiedono se altre registrazioni di quelle sessioni — compresi gli improvvisi ispirati ai Cream — potranno mai essere pubblicate.

May e Taylor non escludono del tutto questa possibilità.

“Alcuni anni fa avremmo pensato che nessuno dovesse sentire quelle registrazioni, perché erano molto grezze. Ma oggi non ci vergogniamo di ciò che eravamo in quel periodo. Eravamo noi contro il mondo”, disse Taylor.

La seconda vita della canzone: dal rock all'hip-hop

Quasi un decennio dopo la pubblicazione originale, "Under Pressure" avrebbe avuto una nuova inaspettata vita nelle classifiche.

Nel 1990, il rapper Vanilla Ice pubblicò il successo "Ice Ice Baby", che utilizzava la linea di basso creata da John Deacon come base della canzone.

Inizialmente, il campionamento fu utilizzato senza autorizzazione ufficiale, generando una disputa pubblica con i membri dei Queen e l'eredità di David Bowie.

La questione fu successivamente risolta con un accordo sui diritti d'autore, che iniziò a dare credito ai compositori originali della canzone.

Nonostante la controversia, "Ice Ice Baby" divenne un fenomeno globale e portò il famoso riff di basso a una nuova generazione di ascoltatori.

Uno dei riff più riconoscibili della musica

Crediti dell'immagine: Getty Images

Il riff di basso creato da John Deacon si trasformò in uno dei più riconoscibili nella storia della musica popolare.

Oltre al successo di Vanilla Ice, la melodia di "Under Pressure" è apparsa anche in esibizioni dal vivo, remix e riferimenti culturali in film, serie TV e performance di diversi artisti nel corso dei decenni.

La canzone originale rimane, tuttavia, un esempio raro di collaborazione tra due giganti della musica — un incontro spontaneo che ha prodotto uno dei momenti più significativi del rock e del pop del XX secolo.

Dopo l'edizione del 2025, vinta dal cantante austriaco JJ (in evidenza nella foto dell'articolo), l'Eurovision Song Contest torna nel 2026 con sede a Basilea, in Svizzera, dal 12 al 16 maggio, riunendo 35 paesi nella competizione musicale più seguita d'Europa.

Organizzato dal 1956, l'Eurovision è diventato uno degli eventi televisivi più seguiti al mondo, riunendo artisti provenienti da decine di paesi in una competizione che mescola spettacolo musicale, identità culturale e, spesso, dibattiti politici.

In un anno segnato da conflitti internazionali — tra cui la guerra in Medio Oriente e la continuazione della guerra in Ucraina — il festival torna ad essere osservato anche sotto un'ottica geopolitica, ampliando il dibattito attorno alla partecipazione, ai boicottaggi e alla rappresentatività culturale.

Paesi confermati e boicottaggi annunciati

Secondo reportage della BBC, l'edizione del 2026 vedrà la partecipazione di 35 paesi, ma si trova anche di fronte a una situazione insolita di tensioni diplomatiche.

Cinque paesi — Islanda, Irlanda, Paesi Bassi, Slovenia e Spagna — hanno annunciato il boicottaggio dell'evento in segno di protesta contro la decisione dell'Unione Europea di Radiodiffusione di permettere la partecipazione di Israele.

Israele partecipa all'Eurovision dal 1973, poiché la sua emittente pubblica, KAN, fa parte dell'UER.

La situazione riflette un momento delicato per l'organizzazione del festival, che storicamente cerca di mantenere la competizione come uno spazio culturale, anche se spesso si trova coinvolta in dibattiti politici internazionali.

Il sistema delle "Big Five"

Tradizionalmente, cinque paesi hanno un posto garantito nella finale della competizione: Regno Unito, Italia, Francia, Germania e Spagna.

Queste nazioni fanno parte del gruppo conosciuto come "Big Five", responsabile di contribuire con finanziamenti aggiuntivi per la realizzazione dell'evento.

Di solito, questi paesi passano automaticamente alla finale insieme al paese vincitore dell'edizione precedente — nel caso del 2026, l'Austria, vincitrice del 2025.

Tuttavia, la decisione della Spagna di boicottare l'edizione di quest'anno modifica parzialmente questa dinamica tradizionale.

La partecipazione globale al festival

Anche se la maggior parte dei partecipanti è europea, l'Eurovision conta anche con presenze al di fuori del continente.

Dal 2015, l'Australia partecipa al concorso dopo essere stata invitata per le celebrazioni del 60º anniversario del festival.

L'Australia può competere normalmente, ma non può ospitare l'evento in caso di vittoria, regola creata per mantenere lo svolgimento del festival in territorio europeo.

Un altro punto rilevante è l'assenza della Russia, che rimane esclusa dalla competizione dal 2022, dopo l'invasione dell'Ucraina.

Rappresentanti che iniziano a destare attenzione

Tra gli artisti già annunciati, alcuni nomi iniziano a generare aspettative tra fan e analisti del festival.

Crédito da imagem: Red Bull Media House / Divulgação

Il Regno Unito sarà rappresentato dall'artista di musica elettronica Look Mum No Computer, noto per unire musica e tecnologia in performance sperimentali. La proposta britannica sarà il brano "Eins, Zwei, Drei".

Crédito da imagem: Getty Images via dilei.it

L'Italia invece porterà sul palco il cantante Sal Da Vinci, che ha conquistato pubblico e giurati con la canzone "Per sempre sì", rafforzando la tradizione italiana di ballate melodiche al festival.

Un festival che va ben oltre la musica

Nel corso dei decenni, l'Eurovision si è consolidato come un palcoscenico in cui musica, cultura e politica si incrociano frequentemente.

Anche in mezzo a controversie e tensioni diplomatiche, l'evento continua ad attirare milioni di spettatori in tutto il mondo, mantenendo la sua posizione come una delle più grandi celebrazioni della musica popolare internazionale.

La notizia ha avuto ancora più risonanza perché è emersa subito dopo che Madonna ha attirato l'attenzione anche a Milano, dove ha protagonizzato un momento speciale legato all'universo della moda. Dopo aver prestato la sua voce al commercial che ha dominato i social media nelle ultime settimane, l'artista ha portato la sua versione di "La Bambola" direttamente sul palco.

La performance è avvenuta nell'esclusivo after-show della sfilata della collezione autunno/inverno 2026/2027 di Dolce & Gabbana, occasione in cui la cosiddetta "regina del pop" ha ribadito il suo storico legame con la casa di moda italiana.

Non si trattava più solo della registrazione utilizzata nella campagna del profumo "The One", ma di una performance dal vivo che ha trasformato l'ambiente in un set intimo e cinematografico, tra candele e migliaia di fiori, amplificando l'eco attorno alla nuova fase creativa dell'artista.

Registrazione segreta nel Regno Unito

Secondo la stampa britannica, Madonna avrebbe mobilitato un'ampia squadra tecnica per girare il videoclip, che dovrebbe accompagnare l'uscita del primo singolo del nuovo progetto.

Anche se i dettagli sul concept visivo rimangono riservati, le pubblicazioni indicano che il lavoro promette di mantenere la tradizione della cantante di videoclip provocatori e visivamente suggestivi, caratteristica presente in diverse fasi della sua carriera.

Un nuovo capitolo dopo Madame X

Il nuovo progetto attira l'attenzione anche per segnare il ritorno di Madonna in studio con materiale inedito dal Madame X, pubblicato nel 2019.

Negli ultimi anni, l'artista ha concentrato le sue attività in tour e progetti speciali legati al suo catalogo, inclusa la ben riuscita Celebration Tour, che ha celebrato più di quattro decenni di carriera.

Rivisitazione dell'universo di Confessions on a Dance Floor

L'album in fase di sviluppo sarebbe legato all'universo sonoro di Confessions on a Dance Floor, considerato uno dei lavori più celebrati della discografia della cantante.

Pubblicato nel 2005, l'album ha portato un approccio fortemente ispirato alla disco music e alla musica elettronica da pista, regalando successi globali come Hung Up e Sorry.

La stampa specializzata ha descritto il nuovo progetto come una sorta di continuazione estetica di quel periodo, spesso menzionato informalmente come "Confessions on a Dance Floor Part 2".

Ritorno con Stuart Price

Un altro elemento che rafforza questa connessione è il ritorno della cantante con il produttore Stuart Price, responsabile della sonorità elettronica dell'album originale.

Price è stato una figura chiave nella costruzione del suono continuo e orientato alle piste da ballo che ha contraddistinto Confessions on a Dance Floor, e il suo coinvolgimento nel nuovo progetto suggerisce un ritorno a questo approccio musicale.

Aspettative per il lancio

Al momento, non ci sono conferme ufficiali sul titolo del nuovo singolo, sulla tracklist dell'album o sulla data esatta di uscita. Tuttavia, i media internazionali indicano che il progetto potrebbe arrivare tra giugno e settembre 2026, accompagnato da una campagna visiva che include il videoclip attualmente in produzione.

Se confermato, il nuovo lavoro potrebbe rappresentare uno dei più attesi lanci della musica pop recente, unendo il lascito dance di Madonna a nuovi approcci sonori rivolti al pubblico contemporaneo.

Settimana intensa a Milano

 

 

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Madonna ha attirato l'attenzione della stampa internazionale anche per una performance speciale tenuta a Milano.

La performance è avvenuta dopo lo show della collezione autunno/inverno 2026/2027 di Dolce & Gabbana, e ha riunito ospiti del mondo della moda, della musica e del cinema.

Una versione inedita di “La Bambola”

Durante la performance, Madonna ha interpretato una versione inedita e sofisticata della canzone La Bambola, classico reso celebre dalla cantante italiana Patty Pravo nel 1968.

L'arrangiamento è stato realizzato dal produttore Stuart Price, storico collaboratore di Madonna, e ha trasformato la canzone in una ballata notturna e intima, suonata al pianoforte e accompagnata da un quartetto d'archi.

Il momento è stato descritto dalla stampa di moda e intrattenimento come una performance elegante e minimalista, in contrasto con il carattere spesso sontuoso dei concerti dell'artista.

Estetica ispirata al marchio

 

 

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Per la performance, Madonna è apparsa con un abito che rifletteva l'identità estetica di Dolce & Gabbana:  
un corsetto bianco di cotone, culotte di rete, reggiseno coordinato, scarpe décolleté e un lungo velo di tulle con pizzo.

Il look è stato completato da una croce d'oro e diamanti della collezione Fine Jewelry del marchio, rafforzando l'iconografia religiosa spesso associata all'artista.

Legame con la campagna “The One”

La partecipazione all'evento si collega anche a un altro progetto recente che coinvolge la cantante. A gennaio 2026, Madonna ha protagonizzato la campagna del profumo "The One" di Dolce & Gabbana, in un film pubblicitario dall'estetica cinematografica in cui interpreta anche "La Bambola".

Il video ha visto la partecipazione dell'attore Alberto Guerra e ha rafforzato il lungo legame dell'artista con gli stilisti Domenico Dolce e Stefano Gabbana.

Giorni prima della performance, Madonna era stata vista anche in prima fila alla sfilata del marchio, indossando un vestito-pigiama nero abbinato a guanti blu, presenza che ha rafforzato la sua storica vicinanza con la casa di moda italiana.

Un momento che sottolinea la nuova fase

La performance a Milano, unita ai rapporti sulla registrazione segreta di un nuovo videoclip, indica che il 2026 potrebbe segnare l'inizio di un nuovo ciclo creativo per Madonna, legato al progetto "Confessions on a Dance Floor Part 2", già menzionato dall'artista stessa nei suoi post sui social media.

 

 

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La storia della canzone

"16 Marzo" è originariamente una composizione legata al repertorio di Achille Lauro e presenta una narrazione emotiva sulla fine di una relazione. Il testo mescola sentimenti di dolore, delusione e la possibilità di un nuovo inizio, simboleggiata dalla data che dà il nome alla canzone.

Per la nuova versione, Pausini ha invitato lo stesso Lauro a condividere le parti vocali. Il risultato è un duetto che unisce l'intensa interpretazione della cantante con lo stile contemporaneo dell'artista, creando un arrangiamento che bilancia sensibilità melodica ed estetica moderna.

Secondo Laura Pausini, l'ammirazione per il cantante è iniziata anni fa, durante la sua prima partecipazione al Festival di Sanremo.

"Lauro ha attirato la mia attenzione fin dal suo primo Sanremo. Gli ho scritto immediatamente e, nel corso degli anni, è nato un rapporto speciale. Mi piace il modo in cui affronta la nostra professione, con passione e una cura quasi ossessiva per i dettagli", ha raccontato la cantante.

L'artista ha spiegato inoltre che la scelta della canzone è stata naturale all'interno del concetto del nuovo album.

"'16 Marzo' è stata una delle sue canzoni che mi ha colpito di più. Ho parlato del mio desiderio di fare una versione e di quanto mi sarebbe piaciuto cantare questo brano in duetto. Abbiamo lavorato insieme a un arrangiamento che rappresentasse entrambi, partendo dal suo universo e arrivando a un universo comune."

Incontro artistico e ammirazione reciproca

Per Achille Lauro, la collaborazione rappresenta un momento speciale nella sua carriera artistica.

"Il nostro rapporto nasce da un'ammirazione reciproca. Conoscerla a livello umano è stato meraviglioso e ci siamo identificati in molte cose. Sono molto onorato che abbia scelto una mia canzone", ha affermato il cantante.

Lauro ha anche sottolineato l'importanza culturale della collaborazione.

"Laura è un'artista iconica. La musica italiana ha un valore melodico molto forte che non può essere trascurato. In un momento in cui la globalizzazione tende a livellare tutto, un'interpretazione come la sua aiuta a portare la nostra identità culturale nel mondo."

Videoclip e presenza a Sanremo

La canzone è accompagnata da un videoclip diretto da Gabriele Savino, che amplifica la narrazione emotiva del brano.

L'incontro tra gli artisti ha anche ricevuto attenzione durante il Festival di Sanremo, principale evento della musica italiana. Nell'edizione più recente, Laura Pausini ha partecipato alla presentazione del festival insieme al direttore artistico Carlo Conti, mentre Achille Lauro è stato coinvolto nella conduzione di una delle serate dell'evento.

Un debutto per gli ascoltatori di Antena 1

Con la presentazione di "16 Marzo" nel programma Big Hour, Antena 1 rafforza la sua tradizione di svelare novità della musica internazionale al pubblico brasiliano.

Il debutto del brano nella programmazione avviene oggi, giovedì, alle 18:00, segnando l'incontro di due generazioni della musica italiana in una collaborazione che unisce tradizione melodica ed estetica contemporanea.

 

 

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Il nuovo passaggio nel paese promette di ripercorrere un repertorio che ha segnato profondamente la storia dell'adult contemporary sulle radio di tutto il mondo.

Un tour commemorativo che arriva in Brasile

Nell'ambito del tour commemorativo, gli Air Supply hanno incluso tre spettacoli:

5 maggio — Porto Alegre 
Auditório Araújo Vianna

9 maggio — São José (SC) 
Arena Opus 

10 maggio — São Paulo (per ulteriori informazioni clicca QUI)
Vibra São Paulo

I concerti fanno parte di una serie di spettacoli internazionali che celebrano cinque decenni di carriera del duo, portando sul palco alcune delle canzoni più emblematiche del loro repertorio.

Mezzo secolo di ballate che hanno segnato generazioni

Formati nel 1975, gli Air Supply hanno conquistato fama mondiale alla fine degli anni '70 e soprattutto durante gli anni '80. La combinazione tra le composizioni di Graham Russell e l'interpretazione vocale di Russell Hitchcock ha portato il gruppo a dominare le classifiche internazionali con una sequenza impressionante di successi.

Tra le canzoni più conosciute ci sono "All Out of Love", "Lost in Love", "Making Love Out of Nothing at All", "Even the Nights Are Better" e "Here I Am", brani diventati punti di riferimento del pop romantico internazionale.

Durante il periodo di massimo successo commerciale del duo, molte di queste canzoni hanno raggiunto posizioni di rilievo nella Billboard Hot 100, consolidando gli Air Supply come uno dei nomi più influenti del genere.

Un legame speciale con il pubblico brasiliano

Il Brasile è sempre stato uno dei mercati più accoglienti nei confronti del lavoro del duo. Nel corso degli ultimi decenni, gli Air Supply sono tornati più volte nel paese, spesso con sale piene e un forte coinvolgimento del pubblico che segue la loro carriera dagli anni '80.

Questo legame si riflette anche nella programmazione di Antena 1 e di altre emittenti in tutto il mondo dedicate al formato adult contemporary, dove le canzoni del duo continuano a essere presenti e a conquistare nuove generazioni di ascoltatori.

Un repertorio che continua a resistere al tempo

Cinque decenni dopo la loro formazione, gli Air Supply rimangono attivi sui palcoscenici e mantengono vivo un repertorio diventato parte della memoria affettiva di milioni di fan in tutto il mondo.

Il tour commemorativo dei 50 anni di carriera si presenta, quindi, come una celebrazione di un percorso che ha contribuito a definire il suono delle grandi ballate romantiche internazionali e che continua a trovare spazio tra gli ascoltatori ancora oggi.

 

 

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La nuova canzone offre già un chiaro assaggio della direzione del progetto: un soul vibrante, costruito su schiocchi di dita, voci in call and response e un crescendo con una forte influenza gospel. Con questa combinazione, il brano si posiziona come un potenziale classico istantaneo delle piste da ballo, confermando la capacità di Ngonda di dialogare con la tradizione della musica soul mentre costruisce una propria identità.

Il nuovo brano

Costruito su un ritmo caratterizzato da schiocchi di dita, voci di supporto in stile call and response e un crescendo con una forte influenza gospel, "Doctrine Of Love" presenta un'atmosfera che richiama direttamente la tradizione della musica soul classica, ma con un'energia contemporanea.

Lo stesso artista spiega che l'idea della canzone è nata in modo spontaneo.

"Ho scritto questo brano quando stavo cercando di fare qualsiasi cosa per uscire dallo studio", ha raccontato Ngonda in tono scherzoso. "In quel periodo stavo ascoltando molto James Brown, ed è diventata un'ispirazione. 'Doctrine' sembrava una parola che nessuno usava più. Per me suonava come un tipo di certificato, un 'certificato d'amore'. Forse volevo dire 'doctorate', ma abbiamo comunque registrato così ed è diventato qualcosa di proprio."

Questa miscela di riverenza e leggera irriverenza è diventata un marchio distintivo dello stile del cantante.

Un artista profondamente legato al soul classico

Grande collezionista di dischi, Ngonda ha sviluppato la sua passione per la musica soul ancora nell'adolescenza, quando ha ricevuto dalla nonna una collezione di singoli delle leggendarie etichette Stax e Motown.

Da allora, il suo rapporto con la musica di quel periodo è diventato centrale nella sua formazione artistica.

"Ascolto quasi esclusivamente musica degli anni '60. Degli anni '50, degli anni '40. Praticamente nulla dopo il 1972", ha affermato il cantante.

Sul palco, questa estetica si traduce anche visivamente. Indossando abiti ispirati agli anni '50 e adottando una presenza elegante, Ngonda incorpora il fascino classico degli artisti dell'epoca d'oro della musica soul, spesso paragonato al carisma di nomi come Marvin Gaye.

Un nuovo capitolo dopo il successo del primo album

Il nuovo lavoro arriva dopo "Come Around And Love Me", pubblicato nel 2023, album che ha segnato la consacrazione di Ngonda sulla scena internazionale e che conta già più di 348 milioni di riproduzioni sulle piattaforme digitali.

Mentre il primo disco dialogava fortemente con il soul dei primi anni '70, influenzato soprattutto da artisti come Marvin Gaye e Curtis Mayfield, "Doctrine Of Love" amplia lo spettro sonoro.

Il nuovo album si tuffa in riferimenti che vanno dall'R&B di New York degli anni '50 al dramma vocale dei girl group, passando per elementi di folk-rock e per l'energia del soul prodotto in città come Chicago e Detroit.

Il percorso di Jalen Ngonda

Foto: Reprodução / Redes sociais de Jalen Ngonda

Nato e cresciuto a Maryland, nei sobborghi di Washington, il legame di Ngonda con la musica è iniziato presto. A 11 anni, ascoltare i The Temptations alla radio è stato, secondo lui, un'esperienza trasformativa.

Autodidatta, ha imparato a suonare la chitarra, la batteria e la tastiera, sviluppando le sue abilità inizialmente come batterista in chiesa. Più tardi, si è trasferito nel Regno Unito per studiare al Liverpool Institute for Performing Arts (LIPA).

Prima di ottenere riconoscimento internazionale, l'artista ha suonato per le strade di Londra mentre perfezionava la sua tecnica e identità musicale.

La svolta è arrivata nel 2022, quando ha firmato un contratto con la Daptone Records, etichetta che ospita nomi come Thee Sacred Souls, The Womack Sisters e Lee Fields.

Ascesa internazionale e presenza sui grandi palchi

Da allora, la carriera di Ngonda è progredita rapidamente. In pochi anni, l'artista è passato da esibizioni in club intimi di Londra, come il Moth Club, con una capacità di circa 300 persone, a palchi molto più grandi, tra cui l'Hammersmith Apollo, che può ospitare più di 5.000 spettatori.

La sua presenza nei festival è cresciuta significativamente, con performance al Glastonbury e al We Out Here, oltre a collaborazioni con artisti come Gorillaz e Jordan Rakei.

Ngonda ha anche condiviso tour e palchi con nomi come Thee Sacred Souls, Freddie Gibbs e Olivia Dean.

Un soul che dialoga con il passato senza rimanervi intrappolato

Nonostante il forte legame con la sonorità classica, Ngonda sottolinea che la sua proposta non è solo rivivere il passato.

"Non è un'esagerazione dire che vorrei svegliarmi ogni giorno nel 1964, a Detroit, registrando con i Funk Brothers", afferma l'artista. "Ma questa non è la mia vita. Quindi posso esprimere la mia fascinazione per quel periodo e semplicemente essere un artista."

Secondo lui, l'idea centrale dietro al nuovo lavoro è semplice:

"La Dottrina dell'Amore sostiene che ogni pensiero e ogni azione debbano essere guidati dalla compassione per gli altri, perché l'amore è la misura più alta del valore umano."

Più di un semplice successo commerciale, "Billie Jean" divenne una delle canzoni più emblematiche della carriera di Jackson e un punto di riferimento nell'evoluzione della musica pop degli anni '80.

La storia dietro il testo

Crediti dell'immagine: Reproduzione / Copertina del singolo "Billie Jean" (Epic Records)

L'ispirazione per "Billie Jean" nacque dalle esperienze reali vissute da Michael Jackson durante il periodo di massima popolarità dei Jackson 5. Il cantante ha rivelato in varie interviste di aver ricevuto lettere dai fan che affermavano che lui fosse il padre dei loro figli.

Secondo Jackson, queste storie finirono per diventare la base narrativa della canzone, che racconta la storia di una donna che accusa il protagonista di paternità mentre lui insiste sul fatto che "the kid is not my son".

L'artista ha sempre sottolineato che il personaggio di Billie Jean non rappresentava una persona specifica, ma piuttosto una combinazione di situazioni che lui e i suoi fratelli hanno affrontato lungo la carriera.

La costruzione musicale di un classico

Crediti dell'immagine: Michael Jackson e Quincy Jones ai Grammy Awards del 1984 | Getty Images

Da un punto di vista musicale, "Billie Jean" si distingue per un elemento che sarebbe diventato immediatamente riconoscibile: la linea di basso iconica che guida l'intera struttura del brano.

Il produttore Quincy Jones, partner fondamentale di Jackson nell'album Thriller, inizialmente aveva dei dubbi sulla durata dell'introduzione della canzone. Jackson, tuttavia, insistette sul fatto che il groove dovesse rimanere esattamente come era — decisione che si rivelò cruciale per l'identità del brano.

Il risultato fu una delle introduzioni più famose nella storia della musica pop.

Il video musicale che ha contribuito a trasformare la MTV

Foto: Dietro le quinte del video musicale "Billie Jean" di Michael Jackson | Reproduzione / Archivio Epic Records

Pubblicato nel 1983, il video di "Billie Jean" divenne anch'esso un punto di riferimento culturale. Nel video, Michael Jackson cammina per strade illuminate, facendo sì che i blocchi sul pavimento si accendano ad ogni passo, mentre è seguito da un fotografo.

Oltre all'impatto visivo, il video ebbe un ruolo storico nell'industria musicale. All'epoca, la MTV resisteva ancora ad esibire artisti neri con frequenza, ma il successo travolgente della canzone portò il canale a includere il video nella propria programmazione.

La costante messa in onda del video contribuì a trasformare Michael Jackson in una presenza dominante nella televisione musicale e aprì la strada a una maggiore diversità di artisti sulla rete.

La performance che ha cambiato la cultura pop

Poco dopo il lancio del singolo, Jackson si esibì con "Billie Jean" in uno speciale televisivo celebrativo della casa discografica Motown, nel maggio 1983.

È stata proprio in questa esibizione che il cantante eseguì per la prima volta il moonwalk, un movimento che sarebbe diventato uno dei suoi marchi di fabbrica e uno dei passi di danza più famosi nella storia dell'intrattenimento.

La performance consolidò l'immagine di Jackson come un artista capace di unire musica, danza e spettacolo in modo inedito.

Un classico che continua a attraversare le generazioni

Oltre quarant'anni dopo il suo lancio, "Billie Jean" rimane una delle canzoni più riconosciute della musica pop. Il video musicale ha accumulato centinaia di milioni di visualizzazioni sulle piattaforme digitali, mantenendo vivo il lascito di Michael Jackson tra le nuove generazioni di ascoltatori.

Oltre quarant'anni dopo essere arrivata in cima alle classifiche, la canzone continua a essere considerata uno dei pilastri del pop moderno e una delle registrazioni più influenti nella storia dell'industria musicale.

Come nell'edizione originale, il concetto combina creatività urgente e impegno sociale.

La partecipazione degli Oasis

Per gli Oasis, il contributo sarà speciale. La band partecipa con una versione live esclusiva di “Acquiesce”, registrata durante uno dei memorabili concerti del tour di reunion allo Stadio di Wembley, nell'estate europea dell'anno scorso.

Il brano, intitolato “Acquiesce (Live from Wembley Stadium, 28 settembre 2025)”, sarà disponibile come singolo esclusivo in vinile da 7 pollici, incluso nella copertina doppia dell'edizione in vinile di Help(2). Inoltre, sarà presente come traccia nascosta nella versione in doppio CD dell'album.

La scelta rafforza il carattere storico del progetto, unendo un momento simbolico del ritorno degli Oasis sul palco a un'iniziativa umanitaria di portata globale.

Registrazione in una settimana all'Abbey Road

Help(2) è stato registrato in soli sette giorni, a novembre 2025, presso il leggendario Abbey Road Studios di Londra. La produzione è stata curata da James Ford, noto per il suo lavoro con artisti di spicco della scena indie e pop britannica.

L'album include sia reinterpretazioni che brani inediti firmati da artisti come Arctic Monkeys, Depeche Mode, Olivia Rodrigo, Pulp e Fontaines D.C..

Backstage e posizionamento

Crediti immagine: Pip Bourdillon / Rolling Stone (via divulgazione)

In un'intervista con NME, il produttore James Ford ha rivelato che non tutti gli artisti invitati hanno accettato di partecipare al progetto. Secondo lui, alcuni hanno declinato l'invito ritenendo l'iniziativa "troppo politica".

Ford ha spiegato che la decisione di realizzare una nuova edizione dell'album è nata dalla gravità delle crisi umanitarie a Gaza, Sudan, Ucraina e Siria, scenario che ha rafforzato l'urgenza del progetto.

Secondo il produttore, i primi inviti sono stati rivolti ad artisti con cui aveva già lavorato o con cui aveva stretto rapporti, come Fontaines D.C., Arctic Monkeys, Depeche Mode, Gorillaz e Pulp.

Ha inoltre sottolineato che il processo di selezione ha rivelato molto sul momento dell'industria musicale. Secondo Ford, artisti che sembravano disposti a sostenere la causa hanno categoricamente rifiutato la partecipazione percependo il progetto come eccessivamente politico. Per il produttore, la reazione è stata "affascinante", poiché ha evidenziato chi fosse disposto a prendere posizione di fronte a un'iniziativa umanitaria di tale portata.

Brani già rivelati

L'intera tracklist è già stata svelata. Tra i brani disponibili in anteprima c'è “Opening Night” degli Arctic Monkeys, scelto come primo singolo del progetto. Sono già disponibili anche il visualizer, il videoclip e il dietro le quinte del brano.

Altri brani che stanno attirando l'attenzione includono “Flags”, collaborazione tra Damon Albarn, Grian Chatten e Kae Tempest.

Oltre a “Sunday Morning”, interpretata da Beth Gibbons; “Universal Soldier”, nella versione dei Depeche Mode; e “The Book of Love”, registrata da Olivia Rodrigo, ancora attese dal pubblico.

La diversità di stili rafforza il carattere collettivo del progetto, unendo generazioni e diverse correnti della musica alternativa e pop.

Trailer e contesto umanitario

Il trailer ufficiale è stato diretto da Jonathan Glazer e combina immagini del processo di registrazione in studio con riprese di bambini in zone di conflitto, tra cui Gaza, Sudan, Ucraina e Yemen.

Tutto il ricavato di Help(2) sarà devoluto ai programmi di War Child dedicati al sostegno dei bambini colpiti dalle guerre, riaffermando lo scopo centrale dell'album: trasformare la musica in azione concreta.

Oltre tre decenni dopo il progetto originale, Help(2) recupera lo spirito collaborativo del 1995 e conferma il ruolo della musica come strumento di mobilitazione e solidarietà globale.