Il pezzo racconta il conflitto russo-ucraino, mettendo in luce la prospettiva del popolo ucraino attraverso la sua struttura, come una lettera aperta scritta da un soldato al fronte. L’idea della canzone è nata dall’amicizia tra Bono, The Edge e Taras Topolia, il cui legame si è ulteriormente consolidato dopo il concerto degli U2 nella metropolitana di Kiev nel 2022. L’apporto di Ed Sheeran è stato, però, altrettanto fondamentale, ponendosi come “ponte” iniziale tra Bono e Topolia. In questo racconto, il cantautore britannico interpreta la voce di chi riceve quel messaggio e di chi guarda.

Il testo è legato al concetto di resilienza, espresso tramite l’uso della parola ucraina "Volya" (Воля), ripetuta nel finale, che significa sia "Libertà" che "Volontà". Gli U2 scelgono un messaggio forte. Nonostante gli orrori della guerra, il soldato, protagonista del video, esorta le persone lontane dal fronte a non perdere la capacità di ridere e di sperare, definendolo quasi un "dovere". Una delle citazioni più forti del brano è proprio: "If you have the chance to laugh, laugh at me. If you have the chance to hope, it’s a duty".

Il videoclip ufficiale, rilasciato il 24 febbraio, ha amplificato l’impatto di Yours Eternally. La scelta della data non è stata casuale, volendo commemorare il quarto anniversario dell'invasione russa. Il video musicale non rientra nei canoni stilistici tipici del suo genere; è infatti più simile ad un cortometraggio documentario crudo e autentico, diretto dal regista-soldato Ilya Mikhaylus. Le riprese sono state effettuate lo scorso dicembre sui fronti caldi di Kharkiv (Lyptsi e Kupiansk), seguendo la vita della 13ª Brigata "Khartiia". Non ci sono attori, solo soldati veri che rischiano la propria vita ogni giorno per la libertà dell’Ucraina.

Gli U2 hanno deciso di devolvere ad Amnesty International e a Music Saves UA tutti i proventi della vendita di questo EP, al fine non solo di far conoscere le ferite del mondo moderno, ma dando anche un aiuto concreto alle popolazioni.

Com’è possibile una tale sopravvivenza? Perché, nonostante la tecnologia si evolva costantemente, la radio dimane un caposaldo della comunicazione moderna? 

Capacità di adattamento

A differenza di altri sistemi, la radio ha dimostrato nel corso dei decenni una particolare duttilità, che le ha permesso di evolversi, evitando così di diventare obsoleta. 

Se prima era intesa più come un sottofondo da ascoltare in auto o in cucina, l’arrivo di internet ha permesso di sviluppare nuovi canali di accesso, rendendola disponibile anche su smartphone, tablet e smart speaker. 

La qualità del suono è migliorata grazie al passaggio al DAB+, il cosiddetto digitale terrestre radiofonico. Con questo sistema, il suono è diventato più pulito e l’offerta radiofonica è aumentata, garantendo anche lo sviluppo di canali tematici.

Da semplice suono udibile, la radio ha infine creato una nuova modalità di relazionarsi con il pubblico attraverso la radiotelevisione. In questo modo è riuscita a entrare nelle case in modo diverso.

Persone reali

Una caratteristica fondamentale dietro ogni radio è la gente che ci lavora. Persone reali che si occupano di aspetti molto diversi per garantire non solo un prodotto, ma anche un’esperienza di vita per gli ascoltatori. 

Gli speaker dei programmi dissipano la solitudine digitale, un fenomeno in continua crescita nell’era social. Tramite i loro discorsi, battute e pensieri, diventano veri e propri compagni di viaggio.

La presenza di persone reali dà allo spettatore un senso di fiducia. Se il web rappresenta il consacramento delle fake news, in cui nessuno è più in grado di distinguere la finzione dalla realtà, le radio hanno un senso di autorevolezza che, per gli ascoltatori, è sintomo di veridicità.

L’assenza di un algoritmo che conosce i contenuti che si riproducono di solito consente una scoperta musicale. Nuove uscite, canzoni d’epoca, successi internazionali e molto altro vengono riprodotti ogni giorno e danno vita a nuove esperienze.

Prossimità dei media

Le radio locali hanno un ruolo centrale all’interno delle comunità urbane, provinciali o regionali. A differenza di quelle nazionali, sono partecipi di quello che accade in prima persona, garantendo notizie di maggior interesse per lo spettatore e che lo riguardano da vicino.

Un fenomeno simile si verifica in relazione alla loro utilità come servizio pubblico d’informazione. Sia che si tratti di eventi importanti o di catastrofi naturali, saranno in grado di produrre contenuti semplici e rapidi per raggiungere gli ascoltatori.

La radio tradizionale come cuore

Nel corso dei decenni il sistema radiofonico si è ampliato, uscendo dallo schema della semplice messa in onda. 

I podcast, simbolo degli anni 2000, favoriscono l'approfondimento dei temi trattati nei programmi, che altrimenti sarebbero impossibili da proporre a causa delle tempistiche di palinsesto. Attirando un pubblico nuovo, più giovane e interessato ad argomenti più specifici.

Infine, gli eventi rappresentano il contatto diretto con la radio. Tramite concerti, festival e party in piazza, la community di ascoltatori virtuali si trasforma in una comunità fisica. Garantendo, di conseguenza, un nuovo tipo di rapporto tra i comunicatori e il pubblico.

La forza della radio risiede dunque nella sua natura ibrida, capace di far vivere dietro ai propri microfoni la tradizione, ma al contempo di adattarsi e imparare dalle nuove tecnologie e dai mezzi messi a disposizione dal progresso. Non più solo la voce, ma anche la presenza fisica. Se gli altri media lottano per catturare lo spettatore con il video, la radio resta la più importante colonna sonora della vita delle persone. Molti hanno parlato della prossimità della sua morte, senza rendersi conto che quello che avevano davanti non era altro che un fenomeno di rinascita.

La decisione della Giunta Capitolina è arrivata a seguito di una proposta dell’Assessorato al Turismo e ai Grandi Eventi, con l’obiettivo di combattere l’overtourism (circa 30.000 visitatori al giorno), proteggere il monumento, aumentare la sicurezza e utilizzare gli incassi per sostenere la manutenzione.

L’acquisto del biglietto sarà possibile in diverse modalità: online sul sito ufficiale/VivaTicket, presso i Musei Civici e i Tourist Infopoint, oppure direttamente all’ingresso, ma solo con carta. È importante sottolineare l’esistenza di alcuni esenti dal pagamento dell’ingresso. Si tratta dei residenti di Roma e della provincia, dei bambini di età inferiore a 6 anni, delle persone con disabilità, del relativo accompagnatore e delle guide turistiche.

Sono stati stabiliti anche orari specifici per la visita, dal lunedì al venerdì 11.30 – 22.00, mentre nel weekend l’apertura è alle 9.00. Al di fuori delle fasce orarie stabilite sarà comunque possibile accedere alla piazza, ma la zona del catino resterà bloccata. Inoltre, l’accesso sarà esclusivamente da via della Stamperia.

La Dolce Vita felliniana, insomma, si adegua ai tempi moderni. Se un tempo Anita Ekberg chiamava Marcello nelle acque libere della fontana, oggi quel richiamo passa attraverso un tornello e un pagamento digitale. Resta solo una domanda: la monetina, dopo il ticket, porterà ancora la stessa fortuna?

Il cammino è iniziato da Fort Worth, in Texas, e prevede che i monaci percorrano 3700 chilometri fino ad arrivare nella capitale degli USA. 

Il gruppo è guidato da Bhikkhun Pannakara, il vero artefice della trasformazione di questa marcia da semplice percorso religioso a fenomeno sociale. È stato lui, infatti, ad insistere sull’uso della musica di Michael Jackson come colonna sonora di questo viaggio. La canzone “Heal the World” ha le stesse vibrazioni di una preghiera buddista sulla compassione e sarebbe stata importante per unire le diverse culture in una fratellanza umana.

Un altro grande protagonista di questa marcia è Aloka, una cagnolina randagia salvata da Bhikkhun in India quando era ferita, che ora percorre le strade degli Stati Uniti al fianco dei monaci. Non solo un’icona del web, ma anche un ponte emotivo tra i pellegrini e la gente. Lei abbatte ogni barriera, simboleggiando l’atto d’amore incondizionato.

In breve tempo, il movimento si è trasformato in un vero fenomeno di massa, capace di coinvolgere persone da ogni parte degli USA. La reazione è stata travolgente e commovente. Abbattendo i limiti segnati dalle divisioni presenti nel paese, i monaci hanno simboleggiato un potente collante sociale. La gente è scesa in strada per ricevere benedizioni, offrendo ai monaci acqua, cibo, scarpe e ospitalità. La musica di Michael Jackson è stata la chiave di volta, trasformando semplici incontri in momenti di pianto collettivo, abbracci e balli spontanei. Dai poliziotti della scorta ai residenti delle zone rurali, migliaia di cittadini hanno visto nella marcia un simbolo di speranza, dimostrando che il messaggio di pace universale è capace di unire ogni fede e ogni orientamento politico in un unico, grande battito.

Per dare concetto non esistono parole migliori di quelle di Pannakara: "Non possiamo portarvi la pace, perché la pace è già dentro di voi. Noi siamo qui solo per ricordarvelo".

La formazione: l’autodidatta

Sebbene sia una delle colonne portanti della musica cinematografica contemporanea, Hans Zimmer
non ha avuto una formazione tradizionale nel campo musicale. Il suo approccio accademico al
pianoforte dura appena due settimane prima che l’abbandoni, spinto dalla propria avversione per la
disciplina formale. Questo lo porta a sviluppare un interesse e una passione per la musica, legati alla
curiosità più che al dovere scolastico.
Il suo stile musicale è fortemente influenzato dall’avvento dei primi computer e dei sintetizzatori.
Grazie ad essi e alle proprie sperimentazioni, il concetto che si concretizza nella sua mente è quello
di un sistema di “costruzione di suoni” che superi la mera scrittura di note. Gli anni di gavetta nel
mondo del pop e del rock degli anni '70/'80 affineranno ulteriormente questo concetto. Tramite
l’esperienza come tastierista dei The Buggles, le collaborazioni con artisti internazionali di spicco
come Claudio Baglioni e il lavoro come programmatore di synth, Zimmer coglie l’importanza vitale
della fusione tra stili e mondi diversi.

L’ibridazione: il suono che ha cambiato Hollywood

Il mondo della musica hollywoodiana, prima dell’arrivo di Zimmer, era caratterizzato da colonne
sonore suddivise in due categorie distinte: orchestrali o elettroniche. Non era contemplata, fino ad
allora, una visione mista in grado di congiungerle organicamente.
Il “suono ibrido” di Hans Zimmer ha il suo debutto con il film Rain Man (1988). La scelta è insolita
per il genere drammatico, ma vincente. L’utilizzo di sintetizzatori e percussioni gli vale infatti una
nomination all’Oscar. La sua genialità si afferma nel comprendere che orchestra e computer
possano fondersi per dare vita a una melodia più forte, capace di colpire nel profondo l’anima dello
spettatore. Il successo è tale che questo modello è tuttora il più privilegiato nella scelta delle
colonne sonore, in particolare per i film d’azione e di fantascienza.

I grandi successi, la trasformazione da uomo a leggenda

Molte sono state le sue opere che hanno conquistato il pubblico, come soundtrack, ma non solo.
Tre, però, sono le tappe fondamentali che hanno consacrato il compositore: Il Re Leone (1994), Il
Gladiatore (2000) e il sodalizio con Christopher Nolan (Inception, Interstellar).
Il film di animazione “Il Re Leone” gli vale il suo primo Oscar. Componendo sulle parole di Tim
Rice ed Elton John, Zimmer porta con la propria musica una profondità emotiva mai vista prima.
L’autenticità dei cori africani è rappresentata sullo schermo grazie alla collaborazione con Lebo M.
Il Gladiatore reiventa il genere epico. Abbandona le musiche trionfali per un approccio volto a
stimolare la malinconia dello spettatore, ricorrendo alla chitarra e alla voce di Lisa Gerrard. Il
successo è tale da ridefinire l’immaginario legato all’antica Roma.
Non più “temi”, ma “concetti”. Lavorando con Nolan, avviene il passaggio definitivo nel modello
compositivo di Zimmer. Il suono “Braam”, creato per Inception domina i trailer per un decennio,
mentre in Interstellar viene utilizzato un organo a canne per narrare il tema dell’infinito.

Remote Control Production

Hans Zimmer, nella sua carriera, non si limita a essere un artista, bensì si propone anche come
mentore. Nel 1989 fonda, a Santa Monica, la Remote Control Production. Essa non è solo uno
studio di produzione musicale di colonne sonore, ma una vera e propria fabbrica creativa in cui i
talenti si formano e diventano a loro volta compositori di punta di Hollywood. Un esempio è Ramin
Djawadi di Game of Thrones.
La figura di Hans Zimmer ha dunque rivoluzionato il mondo della composizione musicale per il
cinema, dando vita a un nuovo modello capace di fondere sistemi e generi diversi. Dopo decenni di
successi nati dalla sua penna e dai suoi sintetizzatori, sarà interessante scoprire se riuscirà a stupirci
ancora con la produzione della serie di Harry Potter, realizzando un altro capolavoro che rimarrà
nella memoria di tutti i suoi spettatori.

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Un post condiviso da Jack Savoretti (@jacksavoretti)

Nella dichiarazione, Savoretti ha descritto il progetto come un momento di "ritorno completo", sia a livello personale che artistico. Secondo il cantante, l'album rappresenta un ritorno alle motivazioni che lo hanno spinto a fare musica, rivisitando il quartiere in cui è cresciuto e le influenze che hanno plasmato i suoi primi passi nella carriera.

Un album concepito come un ritorno alle origini.

"We Will Always Be The Way We Were" è stato registrato agli Eastcote Studios nella zona ovest di Londra con la band di Savoretti in tournée. Questa scelta rafforza l'obiettivo di un suono più organico, diretto ed emozionale, prendendo le distanze da produzioni eccessivamente concettuali.

La stampa specializzata sottolinea che il nuovo lavoro fa da contrappunto all'album "Miss Italia", uscito nel 2024. Mentre il precedente album flirtava con narrazioni più cinematografiche, il nuovo progetto opta per un approccio introspettivo, combinando il lato folk troubadour degli inizi della sua carriera con la maturità artistica acquisita nel corso degli anni.

La traccia che dà il titolo all'album e il video musicale ufficiale.

Crediti immagine: copertina del singolo "We Will Always Be The Way We Were" (2026). Per gentile concessione di BMG.

Il brano "We Will Always Be The Way We Were" è stato presentato come il cuore dell'album. In dichiarazioni diffuse dai media internazionali, Savoretti ha spiegato che il brano parla di crescita, cambiamento e, allo stesso tempo, della consapevolezza che l'essenza rimane. L'uscita è stata accompagnata da un video musicale ufficiale, amplificando l'impatto dell'annuncio e consolidando l'inizio di una nuova fase. Guarda il video musicale promozionale del brano.

Sulle piattaforme digitali, il brano appare anche in versioni pensate per la programmazione radiofonica, a dimostrazione di una chiara strategia di diffusione multipiattaforma.

Oltre al singolo, ci sono altri brani inediti.

Il nuovo album non si limita alla title track. La tracklist ufficiale conferma 13 brani, tra collaborazioni e singoli anticipati negli ultimi mesi. Tra i pezzi forti:

• "Do It For Love", scritta in collaborazione con Miles Kane.
• "Only Gonna Cry For You", con Steph Fraser
• "Tempting Fate", una collaborazione con KT Tunstall

La presenza di queste tracce indica che l'album funge da collegamento tra le recenti uscite e la nuova narrazione proposta da Savoretti per questa fase della sua carriera.

Agenda, televisione e prossimi passi

Oltre alla copertura mediatica internazionale e alla risposta positiva dei fan, la promozione dell'album ha guadagnato slancio anche con apparizioni in programmi televisivi britannici. Jack Savoretti è apparso al The Graham Norton Show, dove ha eseguito la title track, ha parlato del suo nuovo lavoro e ha commentato le sue esibizioni dal vivo programmate per quest'anno, inclusi spettacoli in locali tradizionali londinesi. Guarda l'esibizione dal vivo del nuovo brano presentata dall'artista nello show qui sotto.

Con “We Will Always Be The Way We Were”, Savoretti inaugura una fase segnata dall’introspezione, dalla memoria e dall’identità, riaffermando il suo ruolo di artista capace di trasformare le esperienze personali in narrazioni musicali di portata universale.

La suspense è al centro della scena con il film di rapina "Here Comes the Flood", diretto da Fernando Meirelles e interpretato da Denzel Washington e Robert Pattinson. Gli amanti dell'azione potranno invece ammirare "Predator", un film con Charlize Theron nel cast.

Per risvegliare il bambino che è in noi, la piattaforma presenta "Sesame Street: Back to Sesame Street" e la nuova animazione "Like Magic".

L'anteprima svela anche viaggi attraverso terre esotiche, con titoli come "Narnia", "One Piece: The Series" e "Avatar: The Last Airbender".

Tra le produzioni nazionali previste ci sono la serie "Brasil 70 – A Saga do Tri", che ricrea la campagna per la terza vittoria del Brasile ai Mondiali, e "Habeas Corpus", un dramma legale sulle truffe digitali.

Guarda il trailer di Netflix 2026:

Alcune delle nuove uscite hanno già una data di uscita fissata o almeno una data di uscita prevista. Ecco i punti salienti:

L'ultima avventura: dietro le quinte di Stranger Things 5 (12 gennaio)

Bridgerton - Parte 1 della stagione 4 (29 gennaio)

Il potere e la legge - Stagione 4 (5 febbraio)

The Night Agent - Stagione 3 (19 febbraio)

Bridgerton - Parte 2 della stagione 4 (26 febbraio)

Formula 1: Drive to Survive - Stagione 8 (febbraio 2026)

One Piece: The Series - Stagione 2 (10 marzo)

Virgin River - Stagione 7 (12 marzo)

Peaky Blinders: L'uomo immortale (20 marzo)

Treta - Stagione 2 (16 aprile)

The Predator Game (24 aprile)

Sweet Magnolias - Stagione 5 (11 giugno)

Enola Holmes 3 (inverno 2026)

Lupine – Stagione 4 (Primavera 2026)

Narnia (dicembre 2026)

Immagine, persona e rottura estetica.

David Bowie è diventato uno degli artisti più rispettati nella storia della musica perché, molto prima dei suoi contemporanei, ha capito che l'identità visiva poteva essere potente quanto la canzone stessa. Negli anni '70, il suo impatto iniziale derivava da costumi e personaggi che catturavano immediatamente l'attenzione, ma fu il modo in cui questi elementi si integravano in un repertorio inquieto e innovativo a consolidare la sua rilevanza artistica. Nell'opera di Bowie, immagine, suono e concetto non erano mai in competizione tra loro. Funzionavano come parti della stessa narrazione.

Crediti immagine: David Bowie in un servizio fotografico, 1973. Foto: Brian Duffy. Riproduzione.

La creazione di personaggi come Ziggy Stardust segnò una rottura definitiva nel rapporto tra artista e palcoscenico. I costumi futuristici, molti dei quali disegnati dallo stilista giapponese Kansai Yamamoto, trasformarono le performance in esperienze visive complete. L'immagine immortalata sulla copertina di Aladdin Sane , con il fulmine dipinto sul volto, divenne uno dei simboli più riconoscibili della cultura pop del XX secolo. Successivamente, il personaggio del Duca Bianco presentò un'estetica opposta: minimalista, fredda ed elegante, riflettendo anche profondi cambiamenti nel suo approccio musicale.

Interrogato all'epoca sul suo aspetto androgino e sul rifiuto di conformarsi agli standard tradizionali, Bowie affrontò l'argomento con sconcertante nonchalance. Nelle interviste di quel periodo, chiarì che il disagio non derivava da lui, ma da chi lo osservava.

"Ho sempre sentito il bisogno di esprimere chi ero dentro. Le persone sembravano molto più infastidite da questo di quanto non lo fossi io", ha affermato una volta.

In un'altra occasione, ha riassunto la sua posizione sulle richieste di definizioni rigide: "La gente voleva risposte definitive su chi fossi. Non ho mai pensato che fosse necessario".

Queste trasformazioni visive non erano gesti casuali o esercizi di provocazione a vuoto. Bowie usava il costume come linguaggio, esplorando temi come identità, ambiguità, genere e libertà creativa in un'epoca in cui queste discussioni suscitavano ancora un reale disagio. Così facendo, contribuì ad ampliare i confini del pop, influenzando non solo i musicisti, ma anche la moda, il comportamento e il modo in cui gli artisti si posizionavano culturalmente.

Questa assoluta padronanza dell'immaginario è stata fondamentale per garantire che il suo lavoro trascendesse le generazioni. Più che una semplice estetica, Bowie ha costruito un metodo: ogni fase visiva preparava il terreno per nuove idee musicali, aprendo la strada ad album acclamati dalla critica e a canzoni che il grande pubblico non ha mai smesso di ascoltare.

Gli album più celebri di David Bowie

La discografia di David Bowie è caratterizzata da una rara raffinatezza, frutto di una meticolosa attenzione all'estetica, al concept, al repertorio e all'approccio sonoro, sempre associata a progetti artistici di alto livello. Ogni album rivela molteplici livelli interpretativi, spesso avvolti da simboli, ambiguità e provocazioni che Bowie non si è mai preoccupato di definire appieno, rafforzando la natura aperta e stimolante del suo lavoro.

Per determinare i cinque album più acclamati della carriera di David Bowie, il sito web Antena 1 ha considerato tre pilastri fondamentali. Il primo è la presenza ricorrente nelle classifiche specializzate di pubblicazioni come Rolling Stone , NME , Pitchfork , BBC e Mojo , pubblicazioni che storicamente plasmano il dibattito critico sulla musica pop e rock. Il secondo criterio è l'impatto estetico e narrativo, valutando come ogni album abbia ridefinito il linguaggio, il suono o la personalità artistica. Infine, è stata considerata anche l'influenza esercitata su altri artisti e movimenti, sia direttamente che come riferimento duraturo per le generazioni successive.

Sulla base di questi parametri, siamo arrivati a una selezione che abbraccia diverse fasi della carriera di Bowie, rivelando non solo i suoi momenti più celebri, ma anche la sua costante capacità di reinvenzione.

L'ascesa e la caduta di Ziggy Stardust e dei ragni da Marte (1972)

Crediti immagine: copertina dell'album The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Illustrazione di Terry Pastor. © RCA Records.

Pubblicato nei primi anni '70, l'album segna il momento in cui Bowie trasformò il concept in un linguaggio pop accessibile. Creando Ziggy Stardust, un alter ego alieno e ambiguo, costruisce un album che funziona come una narrazione continua, qualcosa di raro nella musica rock dell'epoca. I critici venerano l'album per la sua coesione, l'audacia estetica e la capacità di unire teatralità, melodie forti e commento culturale. Nella carriera di Bowie, Ziggy Stardust segnò la svolta definitiva, consolidando la sua immagine di artista camaleontico e aprendo lo spazio a una relazione inedita tra musica, personaggio e performance.

Stazione a stazione (1976)

Crediti immagine: copertina dell'album Station to Station. Fotografia basata su un fotogramma del film The Man Who Fell to Earth. © RCA Records.

Registrato durante un periodo di transizione personale e artistica, Station to Station riflette un Bowie diviso tra eccesso, sperimentazione e controllo estetico. L'album introduce il personaggio del Duca Bianco e anticipa i cambiamenti sonori che avrebbero preso forma negli anni successivi. La critica sottolinea l'album per la sua raffinatezza musicale e la tensione interna che percorre le tracce, mescolando soul, rock ed elementi elettronici. Per quanto riguarda la sua carriera, rappresenta il ponte tra il Bowie americano e quello europeo, preparando il terreno per la cosiddetta Trilogia di Berlino.

Basso (1977)

Crediti immagine: copertina dell'album Low. Fotografia di David Bowie durante le riprese di The Man Who Fell to Earth. © RCA Records.

Considerato uno dei lavori più influenti della sua carriera, Low rompe con le strutture tradizionali delle canzoni e si concentra su stati d'animo, texture e atmosfere. Diviso tra brani più diretti e brani strumentali sperimentali, l'album fu inizialmente accolto con sconcerto, ma divenne rapidamente un punto di riferimento critico. La sua importanza risiede nel coraggio di Bowie di abbandonare formule di successo per esplorare nuove possibilità sonore. Low ridefinì il suo rapporto con lo studio e influenzò direttamente lo sviluppo della musica elettronica, del post-punk e dell'art rock.

“Eroi” (1977)

Crediti immagine: copertina dell'album "Heroes". Fotografia di Masayoshi Sukita. © RCA Records.

Pubblicato nello stesso anno di Low , "Heroes" approfondisce l'esplorazione iniziata a Berlino, bilanciando sperimentalismo ed emozione. L'album è caratterizzato dalla title track, che divenne uno dei più grandi simboli della sua carriera, ma la supera creando paesaggi sonori densi e introspettivi. La critica loda l'album per la sua maturità artistica e la sua capacità di tradurre sentimenti universali in un'estetica minimalista. Nella traiettoria di Bowie, rappresenta il momento in cui innovazione e comunicazione diretta con il pubblico trovano un raro punto di equilibrio.

Stella nera (2016)

Crediti immagine: copertina dell'album Blackstar. Design di Jonathan Barnbrook. © Columbia Records.

Ultimo album pubblicato durante la sua vita, Blackstar è stato riconosciuto come uno dei finali più incisivi nella storia della musica popolare. Registrato mentre David Bowie stava combattendo privatamente contro una delicata condizione di salute, l'album unisce jazz sperimentale, elettronica e testi carichi di simbolismo. La critica ha sottolineato il coraggio artistico del progetto e il modo in cui Bowie trasforma temi come la finitezza, la trasformazione e la creazione in un'opera coesa, densa e stimolante. Più che un semplice finale, Blackstar riafferma la coerenza di un artista in costante movimento, un progetto la cui dimensione simbolica e narrativa sarà esplorata più approfonditamente in questo articolo.

Le canzoni più popolari di David Bowie alla radio (e su Antena 1)

Quando la missione è selezionare le canzoni più famose di un artista, il compito è raramente semplice. E quando l'artista in questione è David Bowie, diventa quasi impossibile. In questo caso, la selezione è essenzialmente adatta alla radio, per ovvie ragioni, e non si basa esclusivamente sul plauso della critica.

Ciò che entra in gioco, quindi, è la combinazione di performance ricorrenti, successo storico nelle classifiche e, soprattutto, permanenza culturale. Si tratta di canzoni che hanno attraversato decenni, migrato tra formati diversi, trovato nuove interpretazioni in film, serie TV e campagne pubblicitarie e continuano a risuonare in diverse generazioni di ascoltatori.

La seguente selezione riunisce brani che rappresentano questo equilibrio tra impatto immediato e longevità, abbracciando diverse fasi della carriera di David Bowie e la sua costante presenza in radio.

Le 10 migliori canzoni di David Bowie, con brani che ampliano la portata della trasmissione radiofonica.

“Eroi”

Pubblicata nel 1977, la canzone divenne un inno emozionante che trascende il suo contesto originale. Alla radio, attraversò decenni come simbolo di superamento delle avversità e di intensità drammatica. Rappresenta l'apice del periodo berlinese e consolidò Bowie come artista capace di unire avanguardia e fascino universale.

"Balliamo"

Il più grande successo commerciale della carriera di Bowie. Con una produzione accessibile e un forte appeal ritmico, dominò le classifiche negli anni '80 e rimane uno dei brani più suonati del suo catalogo. Segna la fase in cui Bowie si confronta definitivamente con il pop mainstream senza abbandonare la sua identità.

"Space Oddity"

La canzone che ha fatto conoscere Bowie al mondo. Fin dalla sua uscita, ha mantenuto una presenza ricorrente nelle radio, spinta dal suo tema spaziale e dal suo peso simbolico. Rappresenta l'inizio di una carriera segnata da curiosità e narrazione.

"Vita su Marte?"

Un classico assoluto della radio contemporanea per adulti. Non è mai stato un successo scontato, ma si è affermato grazie alla sua forza melodica e lirica. Si inserisce nel periodo di affermazione artistica dei primi anni '70 e ha conquistato le nuove generazioni grazie a film e serie.

“Cambiamenti”

Una sintesi perfetta della filosofia di Bowie. La canzone divenne un successo sia per il ritornello orecchiabile che per il suo messaggio di trasformazione. Alla radio, divenne quasi autobiografica, attraversando fasi della sua carriera e della cultura pop.

"Starman"

Responsabile di aver portato Bowie all'attenzione del pubblico britannico dopo una storica performance televisiva. Alla radio, funge da porta d'accesso all'universo di Ziggy Stardust e simboleggia il momento in cui personaggio e musica si fondono.

“Ribelle Ribelle”

Chitarra diretta, attitudine e identità. Divenne una presenza costante nelle playlist e nei programmi incentrati sul rock classico e sul pop degli anni '70. Rappresenta la fase in cui Bowie adottò un atteggiamento più crudo e accessibile.

"Cenere alla cenere"

Un ritorno sofisticato al personaggio del Maggiore Tom, ora con una prospettiva diversa. Fu un successo immediato nelle radio europee e rimane attuale per la sua atmosfera malinconica e la produzione raffinata. Segna il passaggio agli anni '80.

"Amore moderno"

Uno dei brani più radiofonici del catalogo. Ritmo incalzante, ritornello memorabile e alti tassi di trasmissione radiofonica ancora oggi. Rappresenta il Bowie sicuro di sé del periodo di Let's Dance .

"Ragazza cinese"

Sebbene originariamente composta anni prima, acquisì definitivamente forza nella versione degli anni '80. Ottenne un ottimo successo nelle classifiche e rimane presente nelle radio grazie alla sua produzione sorprendente e all'impatto visivo associato al video musicale.

Tracce bonus che ampliano la portata radiofonica.

In questo contesto, meritano una menzione speciale alcune canzoni per il loro grande successo radiofonico:

"Sotto pressione"

Collaborazione storica con i Queen, "Under Pressure" rimane uno dei brani più emblematici della carriera di David Bowie, con una presenza costante nella programmazione di Antena 1 fin dagli anni '80. Nel video qui sopra, Bowie esegue il brano in una rara performance registrata il 29 gennaio 1996 ad Amsterdam, durante il programma televisivo Karel , trasmesso da AVRO Television, insieme a Gail Ann Dorsey e Carlos Alomar.

"Mentre il mondo crolla"

La colonna sonora del film Labyrinth divenne un elemento ricorrente nelle radio per adulti e nei programmi speciali, rafforzando il lato più sensibile di Bowie.

"Questa non è l'America"

Una collaborazione con Pat Metheny, spesso trasmessa alla radio negli anni '80 e associata a un periodo più riflessivo e politico della sua carriera.

L'addio del Chameleon e il progetto Blackstar.

Crediti immagine: Illustrazione di David Bowie per l'album Blackstar. Grafica: Helen Green. Riproduzione.

Oltre alla sua impressionante carriera artistica, David Bowie si è distinto in modo raro persino tra i più grandi nomi della musica: il modo in cui ha trasformato il dramma della propria mortalità in linguaggio artistico. Senza ricorrere a discorsi diretti o facili spiegazioni, Bowie ha incorporato il tema della morte nelle sue opere con lucidità, simbolismo e coraggio, convertendo un processo intimo in una creazione estetica di grande impatto.

Nel farlo, non ha cercato emozioni gratuite o eroismo postumo. Ha preferito l'arte come mezzo di mediazione, lasciando indizi, immagini e canzoni aperti all'interpretazione. Un gesto che rafforza la sua unicità e contribuisce a spiegare perché la sua opera continui a essere rivisitata, dibattuta e sentita ben oltre la sua epoca.

Pubblicato pochi giorni prima della sua morte, Blackstar si affermò rapidamente come uno dei progetti più complessi e simbolici della carriera di Bowie. All'epoca, l'artista teneva segreta la sua diagnosi di cancro, il che portò inizialmente a interpretare l'album come un ulteriore cambiamento estetico. Col tempo, tuttavia, divenne impossibile ignorare il carattere di addio che permea i suoi testi, le sue immagini e le sue scelte sonore.

Le canzoni di Blackstar operano su più livelli. Ci sono riferimenti diretti alla finitezza, alla trasformazione e alla scomparsa, ma sempre avvolti da metafore, personaggi enigmatici e immagini. Bowie evita qualsiasi discorso letterale sulla malattia o sulla morte. Piuttosto, costruisce una narrazione frammentata, quasi rituale, in cui corpo, tempo e identità si dissolvono. La scelta di un sound caratterizzato dal jazz sperimentale e da strutture non convenzionali rafforza questa sensazione di dislocamento e rottura.

I video musicali prodotti nel contesto dell'album hanno ulteriormente ampliato questo universo simbolico e svolgono un ruolo centrale nella costruzione di questo addio. Diretto da Johan Renck, il video di "Blackstar" presenta immagini che sarebbero diventate fondamentali per la successiva interpretazione dell'opera: l'astronauta caduto, i rituali, gli occhi bendati e la figura di un leader spirituale in declino. Pubblicato nel 2015, il video costituisce il primo movimento visivo di questo progetto narrativo.

"Lazarus", pubblicato pochi giorni prima della morte di Bowie, è diventato il disco audiovisivo più direttamente associato all'idea di chiusura. Nel video, l'artista appare fragile, disteso in un letto d'ospedale, con gli occhi coperti da bottoni, in immagini che dialogano in modo potente con il testo e il momento che stava vivendo. È ampiamente considerato l'addio visivo di Bowie al pubblico.

Dopo la sua scomparsa, è stato pubblicato il video di "I Can't Give Everything Away", che funge da epilogo del progetto. Il brano riutilizza e riorganizza le immagini dei due clip precedenti, rafforzando l'idea di chiusura e rendendo chiaro, fin dal titolo, il gesto finale dell'artista: non regalare tutte le risposte, ma lasciare indietro ciò che è essenziale.

Il corpo fragile, gli occhi bendati, l'astronauta caduto e l'inquadratura attentamente calcolata suggeriscono un'uscita consapevole e rigorosamente messa in scena. Non si tratta di autocommiserazione o di una confessione esplicita, ma di un artista che trasforma la propria condizione in materiale estetico, mantenendo la coerenza tra opera, discorso e immagine fino alla fine.

In questo senso, Blackstar non funge solo da epilogo, ma anche da riaffermazione di un metodo artistico che Bowie ha coltivato per tutta la sua carriera. Scegliendo l'arte come mezzo per affrontare l'esperienza della malattia, ha ribadito il suo rifiuto di offrire risposte facili, concludendo il suo viaggio nello stesso modo in cui lo aveva costruito: provocando, sfidando e invitando il pubblico a interpretare, non a consumare passivamente.

Una stella che non tramonta mai.

Crediti immagine: David Bowie in un servizio fotografico negli anni '70. Foto: Masayoshi Sukita. Riproduzione.

Celebrare David Bowie a 79 anni non significa solo rivisitare il passato. Si tratta di riconoscere un corpus di opere che continua a interagire con il presente, influenzando artisti, stili e generazioni che potrebbero non aver nemmeno avuto modo di ascoltare le sue opere originali. Un'eredità che non si è esaurita nel tempo e che, come questo articolo, rimane in movimento, pronta per essere riscoperta e celebrata nei decenni a venire.

L'idea non è nuova. Il riconoscimento vocale esiste da decenni. Ciò che sta cambiando, secondo analisti e media specializzati, è il livello di maturità della tecnologia. Invece di limitarsi a trascrivere le parole, Wispr Flow promette di fornire un testo pronto all'uso, con editing automatico, formattazione intelligente e adattamento allo stile del parlante.

Una tesi chiara: parlare è più veloce che scrivere.

La tesi di Wispr Flow nasce da un fatto inconfutabile: la maggior parte delle persone parla molto più velocemente di quanto digiti. Ciononostante, la dettatura vocale non ha mai preso piede per un motivo ricorrente: la scarsa affidabilità. Testi pieni di errori, frasi troncate e lunghi minuti trascorsi a correggere manualmente ogni cosa hanno sempre scoraggiato gli utenti più esigenti.

Flow cerca di risolvere questo problema andando oltre la semplice trascrizione. Mentre l'utente parla, l'intelligenza artificiale corregge la punteggiatura, rimuove le parole di riempimento, riorganizza le frasi e applica automaticamente la formattazione. L'obiettivo è che il testo appaia pulito, coerente e pronto per essere inviato, pubblicato o archiviato.

Detto universale, in qualsiasi app

Credito immagine: illustrazione generata dall'intelligenza artificiale che raffigura una dipendente che lavora da casa mentre detta un messaggio da trascrivere.

Una delle caratteristiche più notevoli di Wispr Flow è il suo concetto di "dettatura universale". Invece di funzionare solo in app specifiche, agisce direttamente sul campo di testo in cui è posizionato il cursore. Questo vale per e-mail, app di messaggistica, documenti, piattaforme di lavoro collaborativo, sistemi aziendali e persino ambienti di programmazione.

Su Mac e Windows, il funzionamento è semplice: una scorciatoia attiva la dettatura, l'utente parla e, rilasciando il tasto, il testo appare automaticamente nell'applicazione in uso. Su iPhone, Flow funziona come una tastiera vocale e può essere selezionato in qualsiasi app compatibile con l'immissione di testo. Scorciatoie di sistema e funzionalità come il pulsante Azione ne semplificano l'attivazione quotidiana.

Modifica automatica e apprendimento continuo

Il punto di forza dello strumento risiede nel livello di intelligenza applicato al testo. Wispr Flow riconosce le correzioni apportate dall'utente mentre parla, modificando le frasi in tempo reale. Se qualcuno dice "la riunione è domani alle due... in realtà, alle tre", il sistema ne comprende l'intenzione e conserva solo la versione finale.

Un'altra caratteristica fondamentale è il dizionario personale. Con l'uso continuato, Flow impara nomi propri, termini tecnici, acronimi ed espressioni ricorrenti, riducendo gli errori nel tempo. Questo vocabolario è sincronizzato su tutti i dispositivi, garantendo la coerenza indipendentemente dalla piattaforma utilizzata.

Inoltre, il sistema consente di creare scorciatoie vocali per testi ricorrenti, come firme, risposte standard o link frequenti, il che ne aumenta l'attrattiva per i professionisti che gestiscono un volume elevato di messaggi.

Lingue, accessibilità e uso discreto

Wispr Flow supporta oltre 100 lingue, incluso il portoghese, ed è stato progettato per soddisfare anche le esigenze di accessibilità. Le persone con limitazioni motorie o che semplicemente preferiscono ridurre l'uso della tastiera troveranno in questo strumento un'alternativa più naturale.

È disponibile anche una modalità di utilizzo discreto, pensata per ambienti silenziosi, che riconosce la voce a un volume più basso. L'idea è di consentirne l'uso in uffici, trasporti pubblici o spazi condivisi senza attirare eccessivamente l'attenzione.

La privacy come argomento centrale

In un panorama in cui gli strumenti vocali sollevano legittime preoccupazioni in merito alla raccolta dei dati, Wispr Flow cerca di differenziarsi con un forte messaggio sulla privacy. L'azienda dichiara di non vendere né condividere i dati degli utenti e offre una modalità di privacy a conservazione zero, in cui audio, trascrizioni e modifiche non vengono archiviati.

La trascrizione avviene nel cloud, ma il servizio dichiara di avere accordi di non conservazione con i fornitori di tecnologia e offre certificazioni di sicurezza pensate anche per l'uso aziendale. Per le aziende, sono disponibili opzioni aggiuntive per il controllo, l'autenticazione e la conformità agli standard internazionali.

Cosa dicono i canali specializzati

Le testate tecnologiche internazionali hanno iniziato a parlare di Wispr Flow, poiché la categoria della dettatura basata sull'intelligenza artificiale sta guadagnando terreno. I report evidenziano la rapida crescita del prodotto, la sua accoglienza positiva nelle community dedicate alla produttività e il crescente interesse da parte dei professionisti che scrivono ampiamente ogni giorno.

Pubblicazioni specializzate evidenziano come un elemento di differenziazione chiave la capacità di Flow di "modificare mentre l'utente parla", riducendo drasticamente le rielaborazioni. Tuttavia, ci sono delle riserve: il suo utilizzo dipende ancora dalla connessione internet, la qualità del microfono influenza direttamente il risultato e, su iPhone, la necessità di cambiare tastiera può essere frustrante per i nuovi utenti.

Piani, limiti e modello di business

Wispr Flow funziona con un modello freemium. La versione gratuita offre un limite di parole settimanale, sufficiente per test e un utilizzo moderato. I piani a pagamento sbloccano dettatura illimitata e funzionalità avanzate di editing e comando, oltre a opzioni pensate per team e aziende.

La strategia segue lo schema di altri strumenti di produttività basati sull'intelligenza artificiale, cercando di conquistare i singoli utenti prima di passare a soluzioni aziendali più solide.

La tastiera è davvero agli sgoccioli?

Credito immagine: illustrazione generata dall'intelligenza artificiale raffigurante una tastiera d'epoca esposta come pezzo in un museo futuristico.

Nonostante la retorica provocatoria, il mercato evita di dichiarare la morte immediata della tastiera. Wispr Flow non elimina la necessità di revisione né risolve tutti i contesti di scrittura. Ciononostante, lo strumento indica un chiaro cambiamento di comportamento: la comunicazione con il computer ha cessato di essere sperimentale ed è diventata parte integrante dei flussi di lavoro reali.

Solo il tempo potrà dirlo se la tastiera scomparirà o semplicemente condividerà lo spazio con la voce. Per ora, strumenti come Wispr Flow, che ha già raccolto 81 milioni di dollari per lo sviluppo del suo sistema operativo vocale, indicano che il rapporto tra persone e testo sta entrando in una nuova fase, meno silenziosa, più naturale e sempre più mediata dall'intelligenza artificiale.

Clicca QUI per saperne di più sullo strumento sul sito ufficiale.

L'idea è di valutare i risultati vaccinando almeno il 50% dei residenti di questi comuni. Il pubblico di riferimento sarà costituito dalla popolazione di età compresa tra 15 e 59 anni.

"Per questa strategia verrà utilizzata una parte delle prime 1,3 milioni di dosi prodotte dall'Istituto Butantan", ha affermato il Ministero della Salute in una nota.

Espansione

Il primo lotto sarà assegnato anche ai professionisti dell'assistenza primaria che lavorano nelle unità sanitarie di base (UBS).

Secondo il ministero, con l'aumento della produzione di dosi, derivante dalla partnership di trasferimento tecnologico tra il Butantan Institute e l'azienda cinese WuXi Vaccines, la strategia verrà gradualmente estesa all'intero Paese.

La proposta è di iniziare con la popolazione di età pari o superiore a 59 anni e passare alla fascia di età di 15 anni, a seconda della disponibilità di dosi.

Attualmente, il sistema sanitario pubblico brasiliano (SUS) offre il vaccino in due dosi (prodotto in Giappone) per gli adolescenti di età compresa tra 10 e 14 anni.

Efficacia

L' Istituto Butantan ha annunciato questa settimana che il vaccino potrebbe contribuire a ridurre la carica virale nelle persone infette dal patogeno, oltre a mantenere l'efficacia contro i diversi genotipi del virus circolanti in Brasile. Questa conclusione deriva da una ricerca pubblicata sulla rivista The Lancet Regional Health - Americas .

In generale, basse cariche virali sono associate a casi meno gravi. Nell'indagine, i ricercatori hanno analizzato campioni di 365 volontari che avevano contratto la dengue sintomatica tra il 2016 e il 2021 in 14 stati brasiliani. Lo studio ha confrontato i dati di gruppi vaccinati e non vaccinati.

Secondo la ricerca, sebbene alcune persone siano state infettate dopo la vaccinazione, la carica virale negli individui vaccinati era considerevolmente inferiore rispetto ai partecipanti non immunizzati. Per i ricercatori, questo ha dimostrato l'efficacia del vaccino nell'indurre una risposta immunitaria e nel ridurre la replicazione virale nelle cellule.

Il vaccino contro la dengue sviluppato dall'Istituto Butantan è stato approvato dall'Anvisa (Agenzia Brasiliana di Regolamentazione Sanitaria) dopo l'analisi dei dati di cinque anni di follow-up dei 16.000 volontari partecipanti alla sperimentazione clinica. Nella fascia di età 12-59 anni, indicata dall'agenzia regolatoria, il vaccino ha mostrato un'efficacia complessiva del 74,7% e un'efficacia del 91,6% contro la dengue grave e la dengue con sintomi premonitori.

La rosa dei candidati è stata rivelata venerdì mattina (09) dalla British Academy of Film and Television Arts. Nella lista figura anche il documentario brasiliano “Apocalypse in the Tropics”.

I candidati saranno annunciati il 27 gennaio. La cerimonia di premiazione è prevista per il 22 febbraio a Londra, Regno Unito.

L'anno scorso, "I'm Still Here" è stato candidato come miglior film straniero, ma ha perso contro "Emilia Perez".

Consulta l'elenco dei candidati pre-nominati per i BAFTA Awards 2026:

Miglior film

La ballata dell'isola di Wallis

Bugonia

Frankenstein

Hamnet

Lo giuro

Marty Supreme

Norimberga

Una battaglia dopo l'altra.

Valore sentimentale

Peccatori

Miglior film britannico

Sterminio: L'evoluzione

Ballata di un giocatore d'azzardo

La ballata dell'isola di Wallis

Bridget Jones: pazza per il ragazzo

Il Corale

Muori, amore

Addio, giugno

H sta per falco

Hamnet

Lo giuro

Signor Burton

Passeggero

The Roses: Finché morte non ci separi

Steve

Tempo di guerra

Miglior film straniero

È stato solo un incidente, di Jafar Panahi (Francia)

La Grazia, di Paolo Sorrentino (Italia)

La ragazza mancina, di Tsou Shih-Ching (Francia/Taiwan)

The Only Way Out, di Park Chan-wook (Corea del Sud)

Nouvelle Vague, di Richard Linklater (Stati Uniti)

Famiglia per Hikari (Giappone)

L'agente segreto, di Kleber Mendonça Filho (Brasile)

Valore sentimentale, di Joachim Trier (Norvegia)

Sirât, di Oliver Laxe (Spagna)

La voce di Hind Rajab, di Kaouther Ben Hania (Tunisia/Francia)

Miglior opera prima di uno scrittore, regista o produttore britannico

La cerimonia

L'uomo nel mio seminterrato

Madre Vera

L'ombra di mio padre

Passeggero

Oceano con David Attenborough

Gli studiosi ombra

Urchin - Per le strade di Londra

Un desiderio in lei

Spazzino

Miglior regia

Yorgos Lanthimos, di Bugonia

Lynne Ramsay, per Die, Love

Chloé Zhao, di Hamnet

Kathryn Bigelow, per House of Dynamite

Josh Safdie di Marty Supreme

Paul Thomas Anderson, per Una battaglia dopo l'altra

Hikari, di Family for Hire

Joachim Trier, per il valore sentimentale

Ryan Coogler, per i peccatori

Kaouther Ben Hania, per The Voice of Hind Rajab

Miglior attore

Robert Aramayo, di I Swear

Timothée Chalamet, di Marty Supreme

Russell Crowe, per Norimberga

Leonardo DiCaprio, per una battaglia dopo l'altra

Joel Edgerton, per Dreams on a Train

Ethan Hawke, per Blue Moon

Michael B. Jordan, di Sinners

Harry Melling, di Pillion

Cillian Murphy, di Steve

Jesse Plemons, di Bugonia

Migliore attrice

Jessie Buckley, di Hamnet

Rose Byrne, per Se avessi le gambe, ti darei un calcio

Cynthia Erivo, di Wicked: Parte 2

Kate Hudson di Song Sung Blue

Chase Infiniti, da Una battaglia dopo l'altra

Jennifer Lawrence, per Die, Love

Renate Reinsve, di Valor Sentimental

Andrea Riseborough di Dragonfly

Emma Stone, per Bugonia

Tessa Thompson, di Hedda

Miglior attore non protagonista

Benicio Del Toro, per una battaglia dopo l'altra

Jacob Elordi, per Frankenstein

Delroy Lindo, di Sinners

Paul Mescal, di Hamnet

Peter Mullan, di I Swear

Sean Penn, per una battaglia dopo l'altra

Adam Sandler, di Jay Kelly

Andrew Scott, di Blue Moon

Alexander Skarsgård, di Pillion

Stellan Skarsgård, per Valore sentimentale

Miglior attrice non protagonista

Odessa A'zion, di Marty Supreme

Brenda Blethyn, di Dragonfly

Ariana Grande, di Wicked: Parte 2

Inga Ibsdotter Lilleaas, per il Valore Sentimentale

Amy Madigan, per L'ora del male

Wunmi Mosaku, di Sinners

Carey Mulligan, per La ballata di Wallis Island

Gwyneth Paltrow di Marty Supreme

Teyana Taylor, per una battaglia dopo l'altra

Emily Watson, di Hamnet

Miglior cast

Frankenstein

Hamnet

Casa della dinamite

Lo giuro

Marty Supreme

Una battaglia dopo l'altra.

Passeggero

Valore sentimentale

Peccatori

Sirāt

Miglior film per bambini e famiglie

Arco

Boong

Elio

Crescere

Come addestrare il tuo drago

Lilo e Stitch

La piccola Amelie

Zootropolis 2

Miglior Animazione

Arco

I cattivi 2

Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba Infinity Castle

Elio

La piccola Amelie

Zootropolis 2

Miglior documentario

2000 metri fino ad Andriivka

Apocalisse ai tropici

Diventare i Led Zeppelin

Insabbiamento

I bibliotecari

Il signor Nessuno contro Putin

Oceano con David Attenborough

Uno a uno: John e Yoko

Il vicino perfetto

Riefenstahl

Miglior sceneggiatura originale

Luna blu

Casa della dinamite

Lo giuro

Questa cosa è accesa?

È stato solo un incidente

Marty Supreme

L'agente segreto

Valore sentimentale

Peccatori

L'ora del male

Miglior sceneggiatura non originale

Sterminio: L'evoluzione

La ballata dell'isola di Wallis

Bugonia

Frankenstein

Hamnet

Norimberga

Una battaglia dopo l'altra.

Passeggero

Sogni di treni

Vivo o morto: un mistero di Knives Out

Migliore fotografia

Ballata di un giocatore d'azzardo

Bugonia

Muori, amore

Formula 1

Frankenstein

Hamnet

Marty Supreme

Una battaglia dopo l'altra.

Peccatori

Sogni di treni

Miglior costume

Bugonia

Downton Abbey: Il gran finale

Frankenstein

Hamnet

Marty Supreme

Nuova Vague

Norimberga

Una battaglia dopo l'altra.

Peccatori

Wicked: Parte 2

Miglior assemblaggio

Sterminio: L'evoluzione

Bugonia

Formula 1

Frankenstein

Hamnet

Casa della dinamite

Marty Supreme

Una battaglia dopo l'altra.

Peccatori

L'ora del male

Migliori acconciature e trucco

Bugonia

Downton Abbey: Il gran finale

Frankenstein

Hamnet

Marty Supreme

Norimberga

Una battaglia dopo l'altra.

Peccatori

Cuore del combattente

Wicked: Parte 2

Miglior colonna sonora

Sterminio: L'evoluzione

La ballata dell'isola di Wallis

Bugonia

Frankenstein

Hamnet

Marty Supreme

Norimberga

Una battaglia dopo l'altra.

Peccatori

Wicked: Parte 2

Miglior scenografia

Ballata di un giocatore d'azzardo

Bugonia

Fantastici Quattro: Primi Passi

Frankenstein

Hamnet

Marty Supreme

Topolino 17

Una battaglia dopo l'altra.

Peccatori

Wicked: Parte 2

Migliori effetti speciali

Avatar: Fuoco e cenere

Formula 1

Frankenstein

Come addestrare il tuo drago

Jurassic World: Retribution

L'autobus perduto

Topolino 17

Superuomo

Tron: Ares

Wicked: Parte 2

Miglior suono

Avatar: Fuoco e cenere

Bugonia

Formula 1

Frankenstein

L'autobus perduto

Mission: Impossible - La resa dei conti finale

Una battaglia dopo l'altra.

Peccatori

Tempo di guerra

Wicked: Parte 2

Miglior cortometraggio d'animazione britannico

Spazio cerebrale

Cartone

Picco della Morte

Ad azione ovarica

Solstizio

Due ragazzi neri in paradiso

Miglior cortometraggio britannico

22+1

Blondi

Magid / Zafar

Neil Armstrong e i Langholmiti

Nostalgia

Il pettine di perle

Terenzio

Questa è l'endometriosi.

Bentornate a casa lentiggini

Wonderwall

L'azienda di logistica americana manterrà nel Paese solo le attività che interessano rotte internazionali, sia aeree che stradali, oltre ai servizi di supply chain, compresi i POS (postazioni per carte di credito).

Secondo l'azienda, la misura rientra in uno sforzo volto a "rafforzare la rete globale di FedEx e rispondere in modo proattivo alle dinamiche del mercato".

Vedi la dichiarazione completa:

"Nell'ambito dei nostri continui sforzi per rafforzare la rete globale di FedEx e rispondere in modo proattivo alle dinamiche del mercato, abbiamo deciso di concentrare le nostre attività in Brasile sul trasporto internazionale, sia aereo che stradale, e sui servizi di supply chain, inclusi i POS (postazioni POS). Queste aree rimangono essenziali per collegare i nostri clienti in Brasile e nei mercati globali. FedEx rimane pienamente impegnata a rispettare tutti gli obblighi contrattuali e a fornire un servizio affidabile ai propri clienti, oltre a supportare le aziende in tutto il paese con soluzioni logistiche e di supply chain affidabili, sicure ed efficienti che riflettono i più elevati standard FedEx."

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Un post condiviso da Jessie J (@jessiej)

Il 7 gennaio, Jessie J ha utilizzato i social media per confermare che il suo tour acustico negli Stati Uniti inizierà tra 15 giorni, con Atlanta ad aprire la serie di spettacoli. Il post ha evidenziato la natura personale di questa nuova fase, descrivendo la preparazione al tour in modo quasi familiare, tra costumi, cure mediche e l'attenzione assoluta alla sua voce e alla sua performance.

Quasi contemporaneamente all'uscita del nuovo video, l'artista ha anche annunciato le prime date del "No Secrets Tour" in Cina, previste per marzo, con performance a Shenzhen, Pechino, Hangzhou e Shanghai. Questo annuncio graduale rafforza l'idea che il 2026 sarà caratterizzato da diversi formati di spettacolo, da quelli acustici e minimalisti a performance su larga scala, sempre sostenuti dallo stesso messaggio emozionale.

Il lyric video di "I'll Never Know Why" funge da sorta di manifesto per questo momento. Girato in un contesto religioso, senza eccessi visivi o effetti speciali, il video mette in risalto la voce cruda di Jessie J e la potenza del testo, che parla di perdita, dubbio e sentimenti che non trovano una spiegazione immediata. La scelta della location e del formato riflette direttamente il concept del "No Secrets Tour", che promette trasparenza artistica e vicinanza al pubblico.

Sincronizzando l'uscita del video con i primi annunci ufficiali delle date delle sue esibizioni, Jessie J chiarisce che non si tratta solo di nuovi contenuti musicali, ma dell'inizio narrativo di una nuova fase live, in cui palco, video e spoken word lavorano insieme in modo armonioso. L'approccio evita gli eccessi e si concentra sull'essenza: voce, emozione e un'intenzione artistica ben definita.

Guarda Jessie J esibirsi dal vivo nella chiesa di St. Paul.

Credito immagine: NBC/NBCUniversal/Getty Images

Due momenti in una notte

Nello stesso episodio, Dean ha eseguito "Man I Need", il suo singolo di maggior impatto internazionale del 2025, e "Let Alone The One You Love", in versioni live che hanno messo in mostra due sfaccettature della sua musica.

"Man I Need", un brano energico e ballabile tratto dall'album The Art of Loving , ha aperto la sua esibizione con una band dal vivo e una performance vibrante, evidenziando il fascino pop-soul che l'ha spinta in cima alle classifiche e ai social media. Nel frattempo, "Let Alone The One You Love" ha portato un'atmosfera più introspettiva, concentrandosi sull'interpretazione vocale e sulla profondità emotiva del brano, creando un contrappunto accattivante anche nel contesto televisivo in diretta. Guardalo.

Ripercussione e impatto

La pubblicazione dei video di questi due momenti amplifica il clamore positivo di questo venerdì segnato dalle uscite. I fan celebrano la versatilità artistica e la presenza scenica di Olivia Dean, mentre i critici sottolineano l'equilibrio tra performance più vibranti e momenti che mettono in mostra la sua tecnica vocale, rafforzando l'artista come un nome in chiara ascesa sulla scena mondiale.

L'inclusione di due canzoni in una sola serata del Saturday Night Live non è un'impresa da poco. Questo risultato rappresenta un potente biglietto da visita per un pubblico internazionale e consolida il posto della cantante britannica tra le nuove voci più rilevanti del pop e del soul. La sua apparizione nello show è considerata una pietra miliare nella sua carriera e un punto di svolta che la proietta ulteriormente verso il 2026.

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L'uscita è avvenuta poco dopo che Bruno aveva rivelato la copertina e il concept visivo del suo prossimo album, una mossa che ha rapidamente infiammato i social media e ha collocato il nome dell'artista tra gli argomenti più discussi della scena pop internazionale.

Un ritorno all'essenza

"I Just Might" fa rivivere la musicalità che ha reso Bruno Mars famoso in tutto il mondo, con un'elegante miscela di funk, soul e groove anni '70 , senza risultare ripetitivo. Il brano presenta arrangiamenti organici, linee di basso sorprendenti e chitarre ricche di swing, rafforzando l'identità di un artista che ha sempre saputo confrontarsi con il passato senza rimanervi intrappolato.

Il video musicale segue la stessa linea estetica: Bruno appare in più versioni di se stesso, cantando, ballando e suonando strumenti in un'ambientazione di ispirazione retrò, con un linguaggio visivo semplice, diretto ed estremamente carismatico.

Il primo passo del nuovo album

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Il singolo è il preludio al nuovo album in studio di Bruno Mars, la cui uscita è prevista per la prima metà del 2026. Si tratta del suo primo lavoro da solista completo dai tempi di 24K Magic , pubblicato nel 2016, un album che ha consolidato l'artista come uno dei più grandi nomi del pop mondiale dell'ultimo decennio.

La pubblicazione della copertina dell'album rafforza il concetto del nuovo progetto: raffinatezza visiva, estetica classica e un'atmosfera romantica che riflette direttamente il titolo e l'atmosfera delle nuove canzoni.

“I Just Might” è il punto di partenza di una nuova fase per il musicista, un movimento artistico attentamente pianificato.

Anche le fasi fanno parte del piano.

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Il nuovo album inaugura anche un nuovo ciclo di concerti . Un tour internazionale è previsto per il 2026, con esibizioni in grandi arene e stadi in Nord America ed Europa. L'idea è chiara: The Romantic non sarà solo un album, ma un'era completa, pensata per il palco, per il pubblico e per il lungo termine.

Grandi aspettative

Il nuovo singolo è un messaggio diretto: Bruno Mars è tornato ai suoi tempi, a modo suo e senza fretta. L'accoglienza iniziale del pubblico conferma che l'attesa è stata ripagata e rafforza l'attesa per l'album completo, che promette di bilanciare romanticismo, groove e identità autoriale.

Con "I Just Might" in continua ascesa, tutti si chiedono se ciò che accadrà riporterà Bruno Mars al centro dei dibattiti più rilevanti della musica pop nel 2026. La risposta, tuttavia, sembra ovvia: non ha mai lasciato quel posto.

Famiglia in affitto

Brendan Fraser interpreta un attore americano che vive a Tokyo e lavora per un'agenzia giapponese di "famiglie in affitto", interpretando ruoli di surrogato per sconosciuti. Man mano che si lega sempre più profondamente ai suoi clienti, crea legami autentici e riscopre il significato della connessione umana.

Tom & Jerry: un'avventura al museo

Tom e Jerry si imbarcano in un'altra avventura quando, durante un inseguimento all'interno di un museo, trovano un oggetto magico e finiscono per essere trasportati indietro nel tempo. Persi in un'epoca lontana, dovranno mettere da parte i litigi e collaborare.

Agenti molto speciali

Jeff e Johnny hanno un sogno: entrare nella polizia di Rio de Janeiro. Durante l'addestramento, il loro comandante assegna loro la missione di infiltrarsi in un penitenziario per smantellare la "Banda del Giaguaro", che terrorizza la città. Travestiti da prigionieri, si uniscono ai criminali e fuggono con loro dalla prigione.

A Useful Ghost - Help from Beyond (candidato thailandese agli Oscar)

Dopo la morte della moglie Nat a causa dell'inquinamento atmosferico, March scopre che il suo spirito si è reincarnato in un aspirapolvere. Sebbene la coppia cerchi di mantenere vivo il loro legame, non tutti accettano questa connessione soprannaturale. Per dimostrare di essere "utile", decide di ripulire la fabbrica di famiglia, rivelando le ingiustizie.

La reciprocità tra i due Paesi è stata stabilita due anni fa ed è entrata in vigore dopo la firma di un decreto, questo mercoledì (7), da parte del presidente portoghese, Marcelo Rebelo de Sousa.

Per guidare in Portogallo, i cittadini brasiliani devono presentare la patente di guida, che può essere utilizzata fino alla sua scadenza originale. In base al principio di reciprocità, la stessa regola si applica ai cittadini portoghesi residenti in Brasile.

Le norme si applicano ai conducenti fino a 60 anni e ai documenti rilasciati in Brasile o Portogallo, in formato fisico o digitale, che abbiano meno di 15 anni.

I nomi sono stati rivelati sul canale YouTube di Netflix. La cerimonia di premiazione è prevista per il 1° marzo a Los Angeles e sarà trasmessa in diretta streaming sulla piattaforma a partire dalle 22:00 (ora di Brasilia).

Ci si aspettava che Wagner Moura fosse candidato per la sua interpretazione in “L’agente segreto”, ma il brasiliano è stato escluso. Lui, che ha vinto il premio come miglior attore al Festival di Cannes, è in lizza per il Golden Globe, che si terrà domenica (11).

Dai un'occhiata all'elenco:

Miglior cast

"Frankenstein"
"Hamnet: la vita prima di Amleto"
"Marty Supremo"
"Una battaglia dopo l'altra"
"Peccatori"

Miglior attore

Timothée Chalamet ("Marty Supreme")
Leonardo DiCaprio ("Una battaglia dopo l'altra")
Jesse Plemons ("Bugonia")
Ethan Hawke ("Luna blu")
Michael B. Jordan ("Peccatori")

Migliore attrice

Jessie Buckley ("Hamnet: La vita prima di Amleto")
Rose Byrne ("Se avessi le gambe, ti darei un calcio")
Kate Hudson ("Song Sung Blue: Un sogno per due")
Chase Infiniti ("Una battaglia dopo l'altra")
Emma Stone ("Bugonia")

Miglior attore non protagonista

Miles Caton ("Peccatori")
Jacob Elordi ("Frankenstein")
Benicio Del Toro ("Una battaglia dopo l'altra")
Paul Mescal ("Hamnet: La vita prima di Amleto")
Sean Penn ("Una battaglia dopo l'altra")

Miglior attrice non protagonista

Ariana Grande ("Wicked: Parte 2")
Amy Madigan ("L'ora del male")
Teyana Taylor ("Una battaglia dopo l'altra")
Wunmi Mosaku ("Peccatori")
Odessa A'zion ("Marty Supremo")

Miglior cast di stunt

"F1: Il film"
"Frankenstein"
"Missione: impossibile - La resa dei conti finale"
"Una battaglia dopo l'altra"
"Peccatori"

Miglior cast corale in una serie drammatica

"Agricoltore"
"Il Pitt"
"Rottura"
"Il loto bianco"
"Il diplomatico"

Miglior attore in una serie drammatica

Sterling K. Brown ("Paradiso")
Billy Crudup ("Lo spettacolo del mattino")
Walton Goggins ("Il loto bianco")
Gary Oldman ("Cavalli lenti")
Noah Wyle ("The Pitt")

Miglior attrice in una serie drammatica

Parker Posey ("Il loto bianco")
Britt Lower ("Breakthrough")
Keri Russell ("Il diplomatico")
Rhea Seehorn ("Pluribus")
Aime Lou Wood ("Il loto bianco")

Miglior cast corale in una serie comica

"Scuola elementare Abbott"
"L'orso"
"Trucchi"
"Solo omicidi nell'edificio"
"Lo Studio"

Miglior attore in una serie comica

Adam Brody ("Nessuno vuole")
Seth Rogen ("Lo Studio")
Ike Barinholtz ("Lo Studio")
Ted Danson ("Una spia sotto copertura")
Martin Short ("Solo omicidi nell'edificio")

Miglior attrice in una serie comica

Kristen Wiig ("Palm Royale")
Kathryn Hahn ("Lo Studio")
Jenna Ortega ("Mercoledì")
Jean Smart ("Hacks")
Catherine O'Hara ("Lo Studio")

Miglior attore in un film TV o miniserie

Jason Bateman ("Coniglio nero")
Owen Cooper ("Adolescenza")
Stephen Graham ("Adolescenza")
Charlie Hunnam ("Mostri: la storia di Ed Gein")
Matthew Rhys ("Il mostro dentro")

Migliore attrice in un film TV o miniserie

Erin Doherty ("Adolescenza")
Sarah Snook ("Tutta colpa sua")
Christine Tremarco ("L'adolescenza")
Michelle Williams ("Morire per il sesso")
Claire Danes ("Il mostro dentro")

Miglior cast di stunt in una serie

"Andor"
"Agricoltore"
"L'ultimo di noi"
"Stranger Things"
"Round 6"

L'articolo interessato è la passata di pomodoro Passata di Pomodoro Di Puglia , del marchio Mastromauro Granoro, lotto LM283.

L'agenzia ha sospeso la vendita, la distribuzione, la pubblicità e il consumo di questo specifico lotto a titolo preventivo. I consumatori sono invitati a controllare le informazioni sull'etichetta e, se in possesso del prodotto, a non utilizzarlo e a contattare il punto vendita o il servizio clienti del produttore.

Questo episodio rafforza l'importanza dei sistemi internazionali di sorveglianza della sicurezza alimentare nel controllo dei rischi legati agli alimenti importati.

Per maggiori informazioni, consultare il sito ufficiale di Anvisa.

OpenAI ha annunciato la creazione di ChatGPT Health, un ambiente separato all'interno di ChatGPT incentrato esclusivamente sulle conversazioni su salute e benessere. Questa nuova funzionalità non è un prodotto isolato, ma la risposta a una tendenza già consolidata: milioni di persone utilizzano quotidianamente l'intelligenza artificiale per comprendere sintomi, esami, routine di cura e abitudini di vita.

Il lancio formalizza qualcosa che già avviene nella pratica. La salute è diventata uno dei temi più ricorrenti nelle interazioni con ChatGPT, spingendo alla creazione di uno spazio dedicato con regole specifiche in materia di privacy, sicurezza e utilizzo dei dati sensibili.

Un nuovo modo di organizzare le informazioni sanitarie.

Nella vita digitale di tutti i giorni, i dati sanitari sono spesso sparsi tra app, portali medici, esami in formato PDF e appunti personali. ChatGPT Health è stato progettato per riunire questo ecosistema in un unico ambiente, consentendo agli utenti di interagire con l'intelligenza artificiale in base al proprio contesto, non solo a informazioni generiche.

L'obiettivo è aiutare a interpretare i risultati dei test, prepararsi meglio alle visite, comprendere gli andamenti nel tempo e organizzare le decisioni relative al benessere, all'alimentazione e all'attività fisica. OpenAI sottolinea che il sistema non formula diagnosi né sostituisce gli operatori sanitari, ma funge solo da strumento di supporto informativo e didattico.

La privacy come punto centrale

Poiché gestisce informazioni altamente sensibili, ChatGPT Health opera in uno spazio isolato all'interno della piattaforma. Conversazioni, file e dati connessi sono tenuti separati dalle altre chat, con una propria memoria e protezioni aggiuntive.

Secondo OpenAI, i contenuti condivisi in questo ambiente non vengono utilizzati per addestrare modelli di intelligenza artificiale. Tutto il traffico è crittografato e l'utente mantiene il pieno controllo su ciò che viene archiviato, potendo rivedere o eliminare le informazioni in qualsiasi momento. L'accesso può essere rafforzato con l'autenticazione a più fattori, riducendo il rischio di uso improprio.

Integrazioni con dati personali e applicazioni

Il nuovo spazio consente una connessione sicura con cartelle cliniche elettroniche e app per il benessere, come Apple Health e MyFitnessPal. Queste integrazioni funzionano solo con l'autorizzazione esplicita dell'utente e possono essere disattivate in qualsiasi momento, interrompendo immediatamente l'accesso ai dati.

Negli Stati Uniti, alcune connessioni alle cartelle cliniche dipendono da partnership con reti di dati sanitari certificate. Tuttavia, alcune integrazioni e funzionalità sono ancora disponibili solo a livello regionale e richiedono specifiche tecniche specifiche, come l'utilizzo di iOS.

Costruito con supporto medico

Lo sviluppo di ChatGPT Health ha comportato la collaborazione diretta di centinaia di medici provenienti da diversi paesi e specializzazioni. Questo lavoro ha influenzato non solo il contenuto delle risposte, ma anche il tono, la chiarezza e i limiti del sistema, soprattutto in situazioni che richiedono cautela o una raccomandazione di follow-up professionale.

OpenAI ha anche creato un proprio modello di valutazione clinica, volto a misurare l'utilità concreta delle risposte nella vita di tutti i giorni, dando priorità alla sicurezza, alla chiarezza e a una guida responsabile.

Implementazione graduale

ChatGPT Health sta iniziando a essere rilasciato a un gruppo iniziale di utenti, con un'espansione progressiva prevista per le prossime settimane sulle versioni web e iOS. Gli interessati possono iscriversi a una lista d'attesa. Quando disponibile, l'accesso avverrà direttamente tramite il menu laterale di ChatGPT.

Il lancio segna un movimento chiaro: il consolidamento dell'intelligenza artificiale come strumento di supporto all'organizzazione della vita quotidiana, anche in uno degli ambiti più delicati e personali, quello della salute.